lunes, 14 de agosto de 2017

Sucedió en el museo... (VI, Anexo) / It Happened at the Museum... (VI, Annex)

Este post complementa el anterior de la serie, "Sucedió en el museo (VI)", repasando algunas de las obras presentes en las fotografías de la selección. Números de referencia en cada imagen.

This post complements the previous one of the series, It Happened at the Museum (VI), reviewing some of the artworks of the selection. Reference numbers in each image.
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Andy & Mao

(1) "Mao" (F. & S. II.91), serigrafía en colores / screenprint in colors, 91,5 x 91,5 cm., 1972. Sotheby's

"Mao" (F. & S. II.90,92-99), serigrafía en colores / screenprint in colors, 1972

La idea de crear retratos de Mao Zedong vino de Bruno Bischofberger, el distribuidor de Warhol, quien le sugirió que creara retratos de la figura más importante del siglo XX. En 1972 Nixon acababa de hacer su visita histórica a China. Poco después la revista Life declaró que Mao Zedong era la persona más famosa del mundo en ese momento. La ideología masiva que el Maoismo y el culto de Mao que seguía en la sociedad china atrajeron instantáneamente al artista. Sus retratos de Mao fueron la primera vez que Warhol reveló contenidos políticos en sus obras de arte. De su interés por la política china, Warhol en 1971 dijo: "He estado leyendo mucho sobre China. Son muy locos. No creen en la creatividad. La única imagen que tienen es de Mao Zedong. Es genial. Parece una serigrafía ". Al año siguiente, la serie Warhol Mao comenzó con sus primeras serigrafías del líder chino. Fuente

"Mao", pintura de polímero sintético y tinta de serigrafía sobre lienzo / 
synthetic polymer paint and silkscreen ink on canvas, 448,3 x 346,7 cm., 1973. france TV éducation
© 2016 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Artists Rights Society (ARS), New York

"Mao", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 127 x 106,6 cm., 1973. Sotheby's

En 1972 salió a la luz la serie de Warhol "Mao", de 10 serigrafías basadas en el retrato oficial de Mao en la portada del Pequeño Libro Rojo. Este contenía citas de Mao y era considerado la piedra angular de la ideología maoísta. De hecho, muchos miembros del Partido Comunista fueron alentados a llevar una copia con ellos. En cada imagen, el rostro de Mao está coloreado dramáticamente, sus labios rozan a veces rojo. Su color de la cara varía de azul marino al blanco neón. En muchos casos Mao parece estar usando maquillaje, con su lunar de color oscuro como una marca de belleza similar a la de Marilyn Monroe. La multiplicidad de las serigrafías también recuerda a los carteles de propaganda producidos en masa que fueron ampliamente exhibidos en China bajo el gobierno de Mao. Sin embargo su colorido mantiene un aire de kitsch, combinando así la ideología de la masa oriental con una estética occidental. La creación de estos retratos glamurosos convierte a Mao en un icono del pop, como los retratos de celebridades de Warhol. Por otra parte la coloración provocativa sutilmente prefigura la coloración del legado de Mao en los años venideros. Warhol finalmente visitó China en 1982, y marcó la visita con una famosa fotografía suya de pie ante el retrato de Mao en la Plaza de Tiananmen. Fuente

"Mao", acrílico y serigrafía sobre lienzo / acrylic and silkscreen on canvas, 66 x 55,8 cm., 1973
Rubell Family Collection (Florida, EE.UU./ USA)

The idea of creating portraits of Mao Zedong came from Bruno Bischofberger, Warhol’s dealer who suggested that Warhol create portraits of the most important figure in the 20th century. At the time, in 1972, Nixon had just made his historic visit to China. Shortly after, Life magazine stated that Mao Zedong was the most famous person in the world at that time. The mass ideology Maoism and Mao’s cult-like following in Chinese society instantly attracted Warhol. His portraits of Mao were the first time Warhol unveiled any political leanings in his artwork.  Of his interest in Chinese politics, Warhol in 1971 famously said “I have been reading so much about China. They’re so nutty. They don’t believe in creativity. The only picture they ever have is of Mao Zedong. It’s great. It looks like a silkscreen”.  In the following year, the Warhol Mao Series beginning with his first screenprints featuring the Chinese leader. Source

Christopher Makos
Andy con el retrato de Mao en la plaza de Tiananmen / 
Andy with portrait of Mao in Tiananmen Square, 1982. Vogue

In 1972, the Warhol Mao Series of 10 screenprints based on the official portrait of Mao on the cover of the Little Red Book. The Little Red Book contained quotes from Mao and was considered the cornerstone of Maoist ideology. In fact, many Communist party members were encouraged to carry a copy with them.  In each image, Mao’s face is colored dramatically, his lips sometimes rouge red. His face color ranges from navy blue to neon white.  In many instances, Mao appears to be wearing makeup, his mole darkly colored as a beauty mark similar to that of Marilyn Monroe. The screenprints’ multiplicity is also reminiscent of the mass-produced propaganda posters which were widely displayed in China under Mao’s rule. Yet, their coloring maintains an air of kitsch, thus combining Eastern mass ideology with a Western aesthetic. The creation of these glamorous portraits turns Mao into a pop icon much like Warhol’s celebrity portraits. Moreover, the provocative coloring subtly foreshadows the coloring of Mao’s legacy in the years to come.   Warhol eventually visited China in 1982, and marked the visit with a famous photograph of him standing before Mao’s portrait in Tiananmen Squarer. Source

"Mao", acrílico y tinta de serigrafía sobre lienzo / 
acrylic and silkscreen ink on canvas, 30,5 x 25,4 cm., 1973. Bonhams

Andy Warhol en "El Hurgador" / in this blog:
Mao Zedong en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (CXL)]
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Zhang Huan
張洹

Zhang Huan (張 洹) es un artista chino nacido en 1965 con sede en Shanghai y Nueva York. Comenzó su carrera como pintor y luego se pasó al arte de performance antes de regresar a la pintura. Él es sobre todo un artista de performances, pero también hace fotografías y escultura.
Recibió su Licenciatura en Artes de la Universidad de Henan en Kaifeng (1988) y su Máster de la Academia Central de Bellas Artes de China en Beijing (1993).
Comenzó su trabajo como parte de una comunidad artística pequeña, conocida como "La aldea del este de Pekín", situada en los márgenes de la ciudad. El grupo de amigos de la escuela de arte fue pionero en esta clase de performances en China, y Zhang fue a menudofue reprendido por funcionarios por la inadecuación percibida de sus acciones.
Las actuaciones de Zhang siempre implican su cuerpo de una manera u otra, usualmente desnudo, ocasionalmente involucrando acciones masoquistas.
Zhang implica el cuerpo en sus esculturas también. Hace manos y pies gigantes de cobre, versiones magnificadas de los fragmentos de figuras budistas rotas que encontró en Tíbet.
Usando rituales cuasi-religiosos, busca descubrir el punto en el cual el espiritual puede manifestarse a través de lo corpóreo. Utiliza gestos repetitivos sencillos, generalmente considerados como tareas sin sentido, del trabajo por el trabajo en sí. El budismo, con su música de templos, esculturas y filosofía son un tema frecuente en la obra de Zhang Huan.

(2) "Árbol genealógico / Family Tree" (1/9)

"Árbol genealógico" consta de nueve imágenes secuenciales de la cara de Zhang Huan. Las fotografías se tomaron en orden cronológico, desde el atardecer hasta el amanecer. Se supone que esta obra es una representación del linaje de Huan. Durante el trabajo, Huan tenía tres calígrafos escribiendo una combinación de nombres conocidos por Zhang Huan, historias personales, cuentos aprendidos y pensamientos aleatorios. Los calígrafos trabajaron en su rostro, añadiendo más y más durante el período cronológico. Eventualmente, su rostro estaba cubierto por tanta caligrafía, era difícil distinguir lo que en realidad estaba escrito.

"Árbol genealógico / Family Tree"
Copia cromogénica sobre papel de archivo Fuji (set de nueve) / C-print on Fuji archival paper (a set of nine) 
Cada una / each: 125,7 x 100,3 cm., 2003. Christie's

Zhang Huan (張洹) is a Chinese artist born in 1965, based in Shanghai and New York City. He began his career as a painter and then transitioned to performance art before making a comeback to painting. He is primarily a performance artist but also makes photographs and sculpture.
He received his B.A. from Henan University in Kaifeng (1988) and his M.A. from the China Central Academy of Fine Arts in Beijing (1993).
Zhang Huan began his work as part of a small artistic community, known as the Beijing East Village, located on the margins of the city. The group of friends from art school pioneered this particular brand of performance in China and Zhang was often reprimanded by officials for the perceived inappropriateness of his actions.
Zhang’s performances always involve his body in one way or another, usually naked, occasionally involving masochistic actions.
Zhang involves the body in his sculptures as well. He makes giant copper hands and feet, magnified versions of fragments of broken Buddhist figures that he found in Tibet.[2]
By using quasi-religious ritual, he seeks to discover the point at which the spiritual can manifest via the corporeal. He uses simple repetitive gestures, usually regarded as meaningless work-for-work’s-sake chores. Buddhism, with its temple music, sculptures and philosophy are a prevalent theme in Zhang Huan’s work.

"Árbol genealógico / Family Tree" (2/9)

Family Tree consists of nine sequential images of Zhang Huan’s face. The photographs are taken in a chronological order, from dusk to dawn. This performance piece is supposed to be a representation of Huan’s lineage. During the work, Huan would have three calligraphers write a combination of names known to Zhang Huan, personal stories, learned tales and random thoughts. The calligraphers worked on his face, adding more and more during the chronological period. Eventually, his face was covered by so much calligraphy, it was hard to make out what was actually written.

Más sobre Zhang Huan en / More about Zhang Huan in: Website, Wikipedia (English)
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Anish Kapoor

(3) "Agujero / Hole", fibra de vidrio y pigmento / fiberglass and pigment, 213,36 x 213,36 x 259,08 cm., 1988
San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA) (California, EE.UU./ CA, USA)
© Anish Kapoor / ARS, New York / DACS, London

Anish Kapoor en "El Hurgador" / in this blog[Håkan Ludwigson (Fotografía)], [Arte y humor (VI) - Anexo]
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Giulio Monteverde

(4) "Colombo giovinetto / El jovencito Colón / The Young Columbus"
Mármol / marble, 137,2 x 63,5 x 61 cm., c.1870
The Legion of Honor Museum (San Francisco, EE.UU./ USA)

Giulio Monteverde fue un escultor naturalista y profesor italiano nacido en Bistagno en 1837.
Estudió en la Academia de Bellas Artes de Roma, donde más tarde se convirtió en profesor. Entre sus estudiantes se encontraban Lola Mora y Victor de Pol, quienes desarrollaron importantes trabajos públicos en Buenos Aires.
Fue nombrado Oficial de la Legión de Honor en 1878 y Senador Italiano en 1889.
Durante todo el siglo XX Monteverde ha sido injustamente olvidado o desconocido, y esto se debe principalmente a que se trata de un escultor apegado a los cánones tradicionalistas originados en la Grecia clásica y luego reforzados durante el Renacimiento, para la perspectiva del s XX -entonces- Monteverde resultaba "anticuado", fuera de las vanguardias y "academicista".
En efecto, ciertamente cuesta observar algún atisbo de "vanguardismo" en la monumental obra de Monteverde. Él se mantiene más cerca -en lo estilístico- de Canova, Cellini y Miguel Ángel. Asimismo ha jugado en su contra el hecho de que muchas de sus esculturas fueran realizadas para cementerios o sus temas fueran en ocasiones rayanos en lo funerario.
Murió en Roma en 1917.

"Colombo giovinetto / El jovencito Colón / The Young Columbus"
Museo delle Culture del Mondo, Castello d'Albertis (Génova, Italia / Genova, Italy). Wikimedia Commons

Giulio Monteverde was an Italian naturalist sculptor and teacher born in Bistagno in 1837.
He studied at the Academy of Fine Arts in Rome where he later became a professor. Among his students were Lola Mora and Victor de Pol, who both developed significant public work in Buenos Aires.
He was made an Officer in the Legion d'Honneur in 1878 and an Italian Senator in 1889.
Throughout the 20th century Monteverde has been unjustly forgotten or unknown, this is mainly because he was a sculptor attached to the traditional canons originated in classical Greece and then strengthened during the Renaissance. For the perspective of XX century Monteverde was "outdated", outside the avant-garde, and "academicist".
Indeed, it is certainly difficult to observe some glimpse of "avant-gardism" in the monumental work of Monteverde; he stays closer - in the stylistic - of Canova, Cellini and Michelangelo. He has also played against the fact that many of his sculptures were made for cemeteries or his subjects were sometimes bordering on funerary.
He died in Rome in 1917.

"Colombo giovinetto / El jovencito Colón / The Young Columbus"
Museo delle Culture del Mondo, Castello d'Albertis (Génova, Italia / Genova, Italy). Wikimedia Commons
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Gian Lorenzo Bernini

(5) "Neptuno y Tritón / Neptune & Triton", mármol y cobre / marble and copper, c.1622-23
Victoria & Albert Museum (V&A) (Londres, Reino Unido / London, UK)

El grupo fue encargado al escultor barroco italiano Gianlorenzo Bernini por Alessandro Peretti, el cardenal Montalto, para el jardín de la Villa Montalto en Roma, y fue esculpido en un año en 1622-23. En los siglos XVII y XVIII el grupo era una de las vistas más célebres de Roma, y varios grabados lo muestran en su posición original, en el extremo superior del gran estanque de peces, conocido como Peschiera o Peschierone, en El jardín Montalto. Este impresionante grupo formó originalmente la pieza central de un complejo sistema de fuentes y cascadas. Proyectaba un solo chorro de agua a través de la concha que sostenía Tritón, que fue identificado erróneamente como "Glaucus" (el pescador que, según la mitología, se convirtió en sireno - medio hombre, mitad pez) en algunos grabados y referencias. Fuente

"Neptuno y Tritón / Neptune & Triton" (detalle / detail)

The group was commissioned from the leading Italian Baroque sculptor, Gianlorenzo Bernini, by Alessandro Peretti, Cardinal Montalto, for the garden of the Villa Montalto in Rome, and carved within a year in 1622-23. In the seventeenth and eighteenth centuries the group was one of the most celebrated sights in Rome, and a number of engravings show it in its original position, standing at the upper end of the large fish-pond, known as the Peschiera or Peschierone, in the Montalto garden. This impressive group originally formed the centrepiece of a complex system of fountains and cascades. It projected a single jet of water through the conch-shell held by Triton, who was misidentified as 'Glaucus' (the fisherman who, according to mythology, turned into a merman - half man, half fish) in some engravings and references. Source

Gian Lorenzo Bernini en "El Hurgador" / in this blog:
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Roy Lichtenstein

(6) "Figuras con puesta de sol / Figures with Sunset", 107" x 167"
Óleo y Magna sobre lienzo / oil and Magna on canvas, 1978
San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA) (San Francisco, California, EE.UU./ USA)

"Figuras con puesta de sol / Figures with Sunset" (detalle / detail)

Roy Lichtenstein en "El Hurgador" / in this blog[Pintando perros (XXVII)], [Arte y humor (X)]
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Georg Baselitz

(7) "Ludwig Richter auf dem Weg zur Arbeit / Ludwig Richter de camino al trabajo / on His Way to Work"
Óleo sobre lino / oil on linen, 162,56 x 130,81 cm., 1965
San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA) (California, EE.UU./ CA, USA)

Georg Baselitz (Hans-Georg Kern) es un pintor alemán nacido en 1938.
Baselitz asistió a la escuela local en Kamenz. A los 14 y 15 años pintó retratos, temas religiosos, naturalezas muertas y paisajes, algunos en un estilo futurista.
En 1955 se postuló para estudiar en la Kunstakademie de Dresde, pero fue rechazado. En 1956 se inscribió con éxito en la Hochschule für bildende und angewandte Kunst en Berlín Oriental. Allí estudió con los profesores Walter Womacka y Herbert Behrens-Hangler, y se hizo amigo de Peter Graf y Ralf Winkler (más tarde conocido como A. R. Penck). Después de dos semestres fue expulsado por "inmadurez sociopolítica".
En 1957 se inscribió en la Hochschule der Künste en Berlín Occidental. En 1961 asistió a la clase magistral de Hann Trier y completó sus estudios allí el año siguiente. Allí Baselitz se sumergió en las teorías de Ernst Wilhelm Nay, Wassily Kandinsky y Kasimir Malevich. Durante este tiempo se hizo amigo de Eugen Schönebeck y Benjamin Katz. El historiador del arte Andreas Franzke describe a Jackson Pollock y Philip Guston como las influencias artísticas primarias de Baselitz en este tiempo.
En la década de 1970 Baselitz se hizo famoso por sus imágenes invertidas. Se le tiene por un pintor revolucionario que atrae la atención del espectador hacia sus obras haciéndoles pensar y despertar su interés. Los temas de las pinturas no parecen ser tan importantes como los aspectos visuales de la obra. A lo largo de su carrera Baselitz ha variado desde las sustancias de estratificación, a un estilo, desde la década de 1990, que se centra más en la lucidez y los cambios suaves.

(8) "Der Falke / El halcón / The Falcon", óleo y pintura de polímero sintético sobre lino /
oil and synthetic polymer paint on linen, 180,34 x 170,18 cm., 1971
San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA) (California, EE.UU./ CA, USA)

Georg Baselitz (Hans-Georg Kern) is a German painter born in 1938.
Baselitz attended the local school in Kamenz. At the ages of 14 and 15, he painted portraits, religious subjects, still lifes and landscapes, some in a futuristic style.
In 1955, he applied to study at the Kunstakademie in Dresden but was rejected. In 1956, he successfully enrolled at the Hochschule für bildende und angewandte Kunst in East Berlin. There he studied under professors Walter Womacka and Herbert Behrens-Hangler, and befriended Peter Graf and Ralf Winkler (later known as A. R. Penck). After two semesters, he was expelled for "sociopolitical immaturity."
In 1957, he enrolled at the Hochschule der Künste in West Berlin. In 1961, he attended Hann Trier's master class and completed his studies there the following year. There Baselitz immersed himself in the theories of Ernst Wilhelm Nay, Wassily Kandinsky and Kasimir Malevich. During this time he became friends with Eugen Schönebeck and Benjamin Katz. Art historian Andreas Franzke describes Baselitz primary artistic influences at this time as Jackson Pollock and Philip Guston.
In the 1970s, Baselitz became famous for his upside-down images. He is seen as a revolutionary painter as he draws the viewer’s attention to his works by making them think and sparking their interest. The subjects of the paintings don’t seem to be as significant as the work’s visual insight. Throughout his career, Baselitz has varied his style, ranging from layering substances to his style, since the 1990s, which focuses more on lucidity and smooth changes.
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Louise Joséphine Bourgeois

(9) "Maman / Mamá / Mom", bronce / bronze, 2002. Roppongi Hills, Tokyo, Japón / Japan

Louise Bourgeois en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (XLIX)], [Aniversarios Fotografía (CXLVIII)]
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Erica Deeman

(8) "Siluetas / Silhouettes"

Erica Deeman es una artista nacida en 1977 que vive y trabaja en San Francisco, California.
Deeman recibió una Licenciatura en Artes, Relaciones Públicas, en 2000 de la Leeds Beckett University, Leeds, Reino Unido y una Licenciatura en Bellas Artes, fotografía, en 2014 de la Academia de Arte de San Francisco, California.
Deeman ganó el premio TOSA Finalist Award en 2016, el 2015 ProArts 2 x 2 Solos en 2015 el Premio de Artistas Emergentes y la Beca de Working Artists en 2015.
Ha realizado exposiciones de grupo nacionales e internacionales en Aberystwyth Arts Centre, Aberystwyth, Reino Unido; La colmena, Worcester, Worcestershire, Reino Unido; Galería Municipal, Biblioteca y Centro Cultural, Dublín, Irlanda; Old Truman Brewery, Londres, Reino Unido; Pier 24 Photography, San Francisco, CA; SF Cameraworks, San Francisco, CA; y la Universidad de Derby, Derbyshire, Reino Unido.
Sus obras se encuentran en colecciones públicas como las del Berkeley Art Museum y Pacific Film Archive, Berkeley, CA y Pier 24 Photography, San Francisco, CA.

"Siluetas / Silhouettes"

Erica Deeman is an artist born in 1977, who lives and works in San Francisco, CA.
Deeman received a Bachelor of Arts, Public Relations, degree in 2000 from Leeds Beckett University, Leeds, UK and a Bachelor of Fine Arts, Photography, degree in 2014 from Academy of Art, San Francisco, CA.
Deeman is the recipient of the 2016 TOSA Finalist Award; the 2015 ProArts 2 x 2 Solos 2015: Emerging Artists Award; and the 2015 Working Artists Grant.  
Deeman has had domestic and international group exhibitions at Aberystwyth Arts Centre, Aberystwyth, UK; The Hive, Worcester, Worcestershire, UK; Municipal Gallery, Library and Cultural Centre, Dublin, Ireland; Old Truman Brewery, London, UK; Pier 24 Photography, San Francisco, CA; and SF Cameraworks, San Francisco, CA; and University of Derby, Derbyshire, UK.
Public collections include Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive, Berkeley, CA and Pier 24 Photography, San Francisco, CA.

Vista de la instalación / Installation View
Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive (California, EE.UU./ CA, USA)
"Silhouettes" Mar. 8 - Jun. 11, 2017. Foto / Photo: Sibila Savage

"Siluetas / Silhouettes"
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 Andreas Gursky

(10) "99 céntimos II (díptico) / 99 Cent II (diptychon)", 2001

Andreas Gursky en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (CVI)]
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Mark Rothko

(11) "Nº 14", 1960", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 290,83 x 268,29 cm., 1960
San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA) (California, EE.UU./ CA, USA)

Mark Rothko en "El Hurgador" / in this blog[Loretta Lux (Fotografía, Fotomanipulación)]
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Manuel Neri

(12) "Carriona Figure No. 1", mármol pintado / painted marble, 1981. Foto / Photo: John B.
Stanford University (California, EE.UU./ CA, USA)

Manuel Neri en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (X)]
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Thomas Hill

(13) "Primavera en Palo Alto / Palo Alto Spring", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 86 5/8" x 138 1/4", 1978
Cantor Arts Museum, Stanford University (California, EE.UU./ CA, USA). Flickr

La familia Stanford, familiares y amigos aparecen reunidos en el césped de su granja de Palo Alto, que se convirtió en el campus de la Universidad de Stanford. Jane Stanford, vestida de blanco, se muestra en extremo izquierdo. Leland Stanford sostiene una pintura en su regazo y descansa su mano sobre la silla de su hijo, Leland Stanford, Jr. El artista, Thomas E. Hill, se retrató mirando por encima del hombro de su patrono. La pintura originalmente colgaba en el salón de baile de la mansión Stanford's San Francisco, que fue destruida en el terremoto de 1906.
Texto del Museo de Arte Cantor, en la Universidad de Stanford

The Stanford family, relatives and friends gathered on the lawns of their Palo Alto farm, which became the Stanford University campus. Jane Stanford, dressed in white, is shown on the far left. Leland Stanford holds a painting on his lap and rests his hand on the chair of his son, Leland Stanford, Jr. The artist, Thomas E. Hill, portrayed himself looking over his patron's shoulder. The painting originally hung in the ballroom of the Stanford's San Francisco mansion, which was destroyed in the 1906 earthquake.
Text from the Cantor Arts Museum, Stanford University

Thomas Hill en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (CXLI)]

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