domingo, 25 de junio de 2017

Aniversarios Fotografía (CLXXXIII) [Junio / June 19-25]

Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
Todos los aniversarios de Junio aquí / All anniversaries for June here.
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El 19 de Junio es el cumple de

Chauncey Hare, fotógrafo estadounidense nacido en 1934.

"El interior de Estados Unidos / Interior America"

Es conocido principalmente por su libro de 1978 "Interior America" de Aperture. En sintonía con su propia alienación en el mundo corporativo como ingeniero de investigación de Standard Oil, comenzó a fotografiar como un escape de su rutina diaria. En su ensayo introductorio describe la carga física y psicológica que tal ambiente tenía en su salud, incluyendo náuseas diarias y los trastornos extremos de pánico que sufrió. Arrastraba estos desagradables ataques hasta el fin de semana, cuando podía dedicarse a mirar adelante y fotografiar.

"El interior de Estados Unidos / Interior America"

de un Estudio de los empleados de la compañía Standard Oil /
from A Study of Standard Oil Company EmployeesLink

Comenzando con una 35mm y graduándose a una cámara Burke y James 5x7, Hare era al princpio demasiado tímido como para acercarse a las personas directamente, así que describió el paisaje en el entorno de las casas de Richmond, California, donde vivía. En una ocasión en 1968 Hare fue abordado por un hombre que se ofreció a venderle una cámara. Esta invitación a la casa del hombre llevó a Hare a comenzar a explorar la vida interior de los trabajadores de la zona. Hare trabajó metódicamente para obtener acceso a las salas de estar de las personas y tres becas Guggenheim facilitaron una gran obra que ha permanecido increíblemente desconocida para muchos fotógrafos más jóvenes.
En la década de 1980 participó en exposiciones en las principales instituciones. En 1985 abandonó la fotografía y regresó a la escuela, convirtiéndose en terapeuta.

"El interior de Estados Unidos / Interior America"


El 20 de Junio es el cumple de

Michael Philip Manheim, fotógrafo estadounidense nacido en 1940. Ha sido fotógrafo profesional desde 1969.

"En el circo, Elefantes tirando de un camión / At the Circus, Elephants-Pull-Truck", 1957

Intrigado por los temas del cambio y la transformación, Manheim desarrolló un estilo característico de superposición de frases completas de movimiento sobre un único cuadro de la cámara.
Sus primeros trabajos son de naturaleza periodística. Marcado por este enfoque reflexivamente intuitivo de la fotografía, las imágenes de Manheim se convirtieron en las fotografías líricas y evocadoras de su obra posterior.

"Maravilla / Wonder"

"Ciclista / Cyclist", Alliance, Ohio, 1955

Es ampliamente reconocido por sus fotografías experimentales e innovadoras de múltiples exposiciones, imágenes que celebran la emoción humana como un vínculo primordial que unifica a toda la humanidad. Para subrayar este tema, encuentra maneras de animar la participación de la audiencia en sus exhibiciones, y muestra regularmente su obra tanto a nivel doméstico como internacional.

"Alabando", de La energía de la danza / In Praise, from The Energy of Dance"
con / featuring Margaret Schaefer & Thomas Dwyer del / of Liz Lerman Dance Exchange, 2001

Las fotografías de Michael Philip Manheim ha sido expuestas en todo Estados Unidos y en Alemania, Grecia e Italia, en más de 20 exposiciones individuales y más de 30 colectivas. Su trabajo ha aparecido en revistas como Zoom (EE.UU. e Italia), Photographers International (Taiwan), La Fotografia (España), Black and White Magazine (Estados Unidos), y publicado en cientos de otros libros y revistas, así como en blogs online.
Sus fotografías están presentes en colecciones privadas y públicas, incluyendo la Biblioteca del Congreso, el Salón Internacional de la Fama de la Fotografía, los Archivos Nacionales, el Museo de Arte Danforth y el Museo de Arte del Colegio Bates.

Ángeles de la Tierra / Earth Angels
Izq./ Left: "Madonna" - Der./ Right: "Ninfas / Nymphs" © 2012 Michael Philip Manheim


El 21 de Junio es el cumple de

Frieda Gertrud Riess, fotógrafa alemana de gran éxito en la década de 1920 con un estudio en el centro de Berlín. Nació en Czarnikau, en la provincia prusiana de Posen. A finales de la década de 1890 la familia se trasladó a Berlín donde estudió escultura por primera vez bajo la dirección de Hugo Lederer (1907) y más tarde fotografía en el "Photographischen Lehranstalt" de Berlín, recibiendo su diploma en el verano de 1915.

"Selbstbildnis / Autorretrato / Self-portrait", 1922.
Colección Granger, Nueva York / The Granger Collection, New York. MoMA

En 1918 abrió un negocio en el prestigioso Kurfürstendamm, que se convirtió en uno de los estudios más populares de la ciudad. En parte como resultado de su matrimonio con el periodista Rudolf Leonhard a principios de la década de 1920, extendió su clientela a celebridades como el dramaturgo Walter Hasenclever, el novelista Gerhart Hauptmann y actores y actrices como Tilla Durieux, Asta Nielsen y Emil Jannings. Mientras viajaba por Italia en 1929, fue invitada a fotografiar a Benito Mussolini. Además contribuyó a los periódicos y revistas de la época, incluyendo Die Dame, Berliner Illustrierte Zeitung, Der Weltspiegel, Querschnit y Koralle.


"Retrato de perfil de una dama de sociedad / 
Profile Portrait of a Society Woman", c.1930

Su éxito en Berlín fue sin embargo de corta duración. En 1932, después de enamorarse del embajador de Francia en Berlín, se trasladó a París con él, desapareciendo del ámbito público. Ni siquiera la fecha de su muerte puede ser claramente establecida (c.1955) y el sitio de su entierro sigue siendo desconocido.
En 2008, se presentó en la Berlinische Galerie una retrospectiva de su obra.

"Die Bildhauerin / La escultora / The Sculptress Renée Sintenis"
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 22,6 x 17,3 cm. MoMA
Negativo de / Negative Date, 1925 - Copia de / Print Date, 1925-35. Colección / Collection Thomas Walther

Renée Sintenis en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (LXII)]


El 22 de Junio es el cumple de

Abbas Kiarostami (عباس کیارستمی), director de cine, guionista, fotógrafo y productor iraní nacido en 1940 en Teherán.

Serie de la nieve / Snow Series
copia digital sobre papel de algodón / digital print on rag paper, 57 x 90 cm., 2002. ArtAsiaPacific

Cineasta activo desde 1970, Kiarostami participó en más de cuarenta películas, incluyendo cortometrajes y documentales. Fue aclamado por la crítica por dirigir la "Trilogía de Koker" (1987-94), "Close-Up" (1990), "El sabor de la Cereza" (1997), que fue galardonado con la Palma de Oro en el Festival de Cannes de ese año, y "El viento nos llevará" (1999). En sus trabajos posteriores, "Copia certificada" (2010) y "Como alguien enamorado" (2012), filmó por primera vez fuera de Irán: en Italia y Japón, respectivamente.

Serie de la lluvia Nº 7 / Rain Series #7, copia sobre lienzo / canvas print, 103,5 x 153,5 cm., 2007-08. Artsy

Kiarostami trabajó extensamente como guionista, director de cine, director artístico y productor, y diseñó títulos de crédito y material publicitario. También fue poeta, fotógrafo, pintor, ilustrador y diseñador gráfico. Formó parte de una generación de cineastas de la Nueva Ola iraní, un movimiento de cine persa que comenzó a finales de los años 60 e incluye directores pioneros como Bahram Beyzai, Nasser Taghvai, Ali Hatami, Masoud Kimiai, Dariush Mehrjui, Sohrab Shahid Saless y Parviz Kimiavi. Estos cineastas comparten muchas técnicas comunes, incluyendo el uso del diálogo poético y la narración alegórica que trata de cuestiones políticas y filosóficas.

Serie de la nieve / Snow Series
copia digital sobre papel de algodón / digital print on rag paper, 57 x 90 cm., 2002. ArtAsiaPacific

Kiarostami se caracterizaba por el uso de protagonistas infantiles, películas narrativas de estilo documental, historias que ocurren en pueblos rurales y conversaciones que se desarrollan dentro de los automóviles usando cámaras fijas montadas. También es conocido por su uso de la poesía persa en el diálogo, títulos y temas de sus películas. Las películas de Kiarostami contienen un notable grado de ambigüedad, una mezcla inusual de simplicidad y complejidad, y a menudo una mezcla de elementos ficticios y documentales. Los conceptos de cambio y continuidad, además de los temas de vida y muerte, juegan un papel importante en sus obras.

Serie de la lluvia Nº 27 / Rain Series #27, 2007. The Guardian

Serie de la nieve / Snow Series
copia digital sobre papel de algodón / digital print on rag paper, 57 x 90 cm., 2002. ArtAsiaPacific

Junto con Jean Cocteau, Satyajit Ray, Derek Jarman y Alejandro Jodorowsky, fue un cineasta que se expresó en otros géneros, como poesía, escenografía, pintura o fotografía.
Kiarostami fue un notable fotógrafo y poeta. Una publicación bilingüe de más de 200 de sus poemas, "Caminando con el viento", fue publicada por Harvard University Press. Su trabajo fotográfico incluye "Fotografías sin título", una colección de más de treinta fotografías, sobre todo de paisajes de nieve, tomadas en su ciudad natal Teherán, entre 1978 y 2003.
Murió en 2016.

Serie del camino Nº 30 / Road Series #30
Copia digital sobre lienzo / digital print on canvas, 140 × 220 cm., 2007. Artsy

Abbas Kiarostami en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (CLXXIX)]


El 23 de Junio es el cumple de

Francis Julian Gutmann, fotógrafo británico nacido en 1913, "Franzie" fue criado en Munich desde 1919, donde experimentó por primera vez con la fotografía con una cámara Box Brownie. Regresó a Londres en 1931. A los dieciocho años de edad, se convirtió en aprendiz del fotógrafo de moda y publicidad Shaw Wildman, y más tarde trabajó para Peter Rose Pulham. Sus primeras fotografías de moda aparecieron en las revistas Vogue y Harper's Bazaar, mientras que sus retratos de sociedad fueron publicados en The Sketch. Gran parte de la obra original de Goodman de los años 30 se perdió durante la Segunda Guerra Mundial, pero varias fotografías todavía se pueden rastrear en revistas fotográficas y anuales, y reproducciones de prensa.

"David Hockney", 2,25" x 2,25", Feb.2, 1970
© National Portrait Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK). NPG

David Hockney en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (LXXVIII)]

Durante la Segunda Guerra Mundial, Goodman sirvió en un ejército privado, y más tarde con la Unidad de Interpretación Fotográfica de la Fuerza Aérea Real en Medmenham. Volvió al retrato en 1945, y comenzó a trabajar en localizaciones con tres focos portátiles y una cámara Rolleiflex. La mayor parte de su trabajo apareció regularmente en The Tatler y Bystander desde mediados de los años cuarenta hasta finales de los cincuenta.

"Michael Caine", 2,25" x 2,25", Jul, 1965
© National Portrait Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK). NPG

En la década de 1950, Goodman siguió tomando retratos de sociedad y también fotografió en bailes de disfraces, fiestas y lanzamientos de libros. Sus fotografías de moda, que a menudo incluían actores famosos y diseñadores en las primeras etapas de sus carreras, continuaron siendo publicadas en revistas como The Tatler y Bystander, y también en Gentlemen's Quarterly y Cloth and Clothes.
Goodman también comenzó a trabajar como fotógrafo de viajes. Trabajó para P & O y Union Castle, y viajó con el Comando de Transporte de la Fuerza Aérea Real para cumplir con encargos en Hong Kong, Singapur y Borneo. En la década de 1960 fue empleado por las juntas de turismo de las Bahamas, Barbados y Jamaica, donde fotografió personalidades conocidas de vacaciones allí. En 1966 Goodman consiguió su "primer trabajo regular" con el British Cycling Bureau, fotografiando personajes famosos en bicicletas y escribiendo artículos.

"Peter Ustinov", 2,25" x 2,25", Enero / January 31, 1947
© National Portrait Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK). NPG

Goodman no se hizo rico a través de la fotografía, pero siempre creyó en andar bien vestido y mantener una dirección de moda en Londres. Adecuado y popular, siempre fue modesto en sus logros. Goodman murió en 1989 y legó su archivo de negativos a la National Portrait Gallery.

"Francis Bacon", 2,25" x 2,25", May., 1971
© National Portrait Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK). NPG

Francis Bacon en "El Hurgador" / in this blog:


El 24 de Junio es el cumple de

Mohammad "Moe" Kheirkhah Zoyari, fotógrafo iraní-estadounidense nacido en 1986. Zoyari ganó un Premio Pictures of the Year International a los 21 años.

Irán: Una civilización misteriosa
Irán es misterioso. Este pacífico país islámico, hogar de 82 millones de personas, se asienta tranquilamente entre Irak y Turquía, al oeste, y Turkmenistán, Afganistán y Pakistán por el este. Ha sobrevivido a una guerra de ocho años con su vecino Irak, la guerra más larga del siglo XX, y emergió como un país altamente politizado. El conservacionismo gobierna el país, desde la vestimenta de la mujer y los movimientos sociales a la regulación del alcohol y el consumo de noticias. Aunque las regulaciones no han impedido el avance intelectual de los iraníes.


Iran: A Mysterious Civilization
Iran is mysterious. This peaceful Islamic country, home of 82 million people, sits quietly between Iraq and Turkey to the west and Turkmenistan, Afghanistan, and Pakistan to its east. It has survived an eight-year war with its neighbor Iraq, the longest war in the 20th century, and emerged as a highly politicized country. Conservatism governs the country, from women’s dress and social movements, to alcohol regulation and news consumption. Yet this regulation does not hinder the intellectual advancement of Iranians.

Trabajó para United Press International y la BBC de 2005 a 2015. Comenzó su trabajo como fotógrafo a los 14 años. Después de cubrir el programa nuclear de Irán, terremotos y disturbios políticos, cubrió eventos en Oriente Medio, Europa y los Estados Unidos. Sus fotografías han sido publicadas en Newsweek, Time y Le Figaro.

Afganistán: La vida después de la guerra
Hay un cierto desaliento asumido por un país que ha estado plagado por décadas de guerra. En Afganistán, en particular, el paisaje da testimonio de la guerra: los mendigos heridos por las explosiones de las bombas se arrastran para cambiar las partes, las oportunidades educativas son escasas y los ciudadanos luchan por proporcionar a sus familias las necesidades básicas, incluso el agua potable. Sin embargo, en medio de esta penuria, existe una vibrante vida civil, una que es igualmente religiosa, juguetona y bellamente mundana. Pequeñas tiendas de propiedad familiar crecen con los negocios, las mezquitas celebran ceremonias religiosas, los niños convierten la basura en patios de juegos, y los vecinos juegan juegos en las calles. Los afganos son tal vez quienes mejor exhiben la resiliencia del espíritu humano.

Afghanistan: The Life After War
Afghanistan: There is a certain bleakness assumed by a country that has been plagued by decades of war. In Afghanistan particularly, the landscape gives evidence of warfare—beggars wounded by bomb blasts grovel for spare change, educational opportunities are sparse, and citizens struggle to provide their families with basic necessities, even safe drinking water. Yet in the midst of this hardship, there exists a vibrant civilian life—one that is equally religious, playful and beautifully mundane. Small family-owned shops buzz with business, mosques host religious ceremonies, children turn trash into playgrounds, and neighbors play games in the streets. Afghanis perhaps best exhibit the resiliency of human spirit.

Zoyari dejó Irán para siempre después de las turbulentas consecuencias de las elecciones presidenciales de 2009, y se fue a Afganistán durante 44 días para trabajar como periodista empotrado el Ejército de los Estados Unidos, y ahora tiene su sede en Chicago, Illinois. Está representado por Redux Pictures y trabaja para Deutsche Welle.

Cielos azul y negro sobre el sur de Irak
Los cielos negros y humeantes son un modo de vida duro para los habitantes de Qayyarah (a unos 60 km al sur de Mosul), donde varios campos petroleros han sido incendiados deliberadamente por los militantes de ISIS. Un panal de minas terrestres activas en la región evita una solución fácil al problema. Cientos de residentes aquí han requerido asistencia médica por la exposición a humos tóxicos. Antes de caer bajo el control de los yihadistas de línea dura, Qayyarah (junto con su vecino Najma) solía producir hasta 30.000 barriles de crudo pesado por día, el equivalente a casi 2 millones de dólares.

Black & Blue Skies over Southern Iraq
Black, smokey skies are a harsh way of life for the people of Qayyarah (ca. 60 km south of Mosul) where multiple oil fields have been deliberately set ablaze by ISIS militants. A honeycomb of active landmines in the region prevent an easy solution to the problem. Hundreds of residents here have required medical assistance for exposure to toxic fumes. Before falling under the control of hardline jihadists, Qayyarah (along with its neighbor Najma) used to produce up to 30,000 barrels of heavy crude oil per day, or the equivalent of almost 2 millions dollars.


Hoy, 25 de Junio, es el cumple de

Mathieu Asselin, artista de la fotografía francés-venezolano, nacido en 1976 en el sur de Francia, especializado en fotografía documental.

Retratos de / Portraits of Venezuela

Retratos del paso de un tornado
El 22 de mayo de 2011 un tornado golpeó la ciudad de Joplin, en Missouri. La fuerza y magnitud del tornado dejaron un rastro de destrucción de 3 a 4 millas de ancho por 6 millas de largo. Como resultado, 153 personas murieron y en unos pocos minutos, miles de personas se quedaron sin hogar.

Pasó su infancia en Venezuela. A los 16 años comenzó a trabajar con el reconocido director venezolano Alfredo Anzola. La cámara se convirtió en su pasión. A sus 20 años se trasladó a Europa para comenzar su carrera como fotógrafo. Se unió a la agencia fotográfica francesa L'Oeil du Sud y trabajó en un proyecto en España centrado en uno de los mayores mercados europeos de la droga. Sus fotografías han sido incluidas en publicaciones internacionales como Geo Alemania, Paris Match, Le Monde (Francia), El País, Altair, Razor Magazine y Gente Italia, entre otros.

Portraits of the path of a tornado
In May 22 2011 a tornado hits the city of Joplin Missouri. The strength and magnitude of the tornado left a trail of destruction of 3 / 4 wide by 6 miles long, as a result, 153 die and within minutes thousands of people are homeless. 

Retratos de / Portraits of Venezuela

En 2005 se trasladó a Nueva York. Experimentó mucho para perfeccionar sus técnicas de iluminación y trabajó sobre todo en fotografía de retrato. En los últimos años se estableció como fotógrafo comercial trabajando con universidades, arquitectos y agencias de publicidad.
El trabajo personal de Mathieu Asselin se centra en la fotografía documental que, como él dice, tiene fuertes restricciones creativas, que supera a través de sus técnicas de iluminación. "Si el documental es considerado una forma de ficción, es allí donde mi realidad encuentra refugio".

Nadadores de invierno / Winter Swimmers 


Textos en inglés / English translation

On June 19 is the birthday of

Chauncey Hare, American photographer born in 1934.
He is known primarily for his 1978 book Interior America from Aperture. Attuned to his own estrangement in the corporate world being a research engineer for Standard Oil, he began photographing as an escape from his everyday routine. In his written introductory essay he describes the physical and psychological toll that such an environment had on his health including daily nausea and extreme panic disorders from which he suffered. These unpleasant attacks would let up as the week ended and Hare could look forward to photographing during the weekends.
Starting with 35mm and graduating to a Burke and James 5x7 camera, Hare was initially too shy to approach people directly so he described the landscape around the homes of Richmond, California where he lived. On one occasion in 1968 Hare was approached by a man who offered to sell him a camera. This invitation into the man's home led Hare to start to explore the interiors lives of the workers in the area. Citing the resonance of photographers like Evans and Russell Lee, Hare methodically worked to gain access into people's living rooms and three Guggenheim fellowship facilitated a large body of work that has incredibly remained under the radar of many younger photographers.
By the 1980s, Hare had been featured in exhibitions at major institutions. In 1985, he abandoned photography and returned to school, becoming a therapist.

On June 20 is the birthday of

Michael Philip Manheim, American photographer born in 1940. He has been a professional photo-grapher since 1969.
Intrigued with themes of change and trans- formation, Manheim developed a signature style of layering whole phrases of movement onto a single frame in the camera.
His early work is journalistic in nature. Marked by this reflexively intuitive approach to photography, Manheim's images evolved into the lyrical and evocative fine art photographs of his later work.
Manheim is widely recognized for his experimental and innovative multiple exposure photographs, images that celebrate human emotion as a primal link that unifies all of humankind. To underscore this theme, he finds ways to encourage audience participation in his exhibits, and regularly shows his work domestically and internationally.
Michael Philip Manheim's photography has been exhibited throughout the United States and in Germany, Greece and Italy, in over 20 solo exhibitions and over 30 group shows. His work has been featured in magazines such as Zoom (U.S. and Italy), Photographers International (Taiwan), La Fotografia (Spain), Black and White Magazine (U.S.), and published in hundreds of other books and magazines as well as in blogs online.
Manheim's photographs are held in private and public collections including the Library of Congress, the International Photography Hall of Fame, the National Archives, the Danforth Museum of Art, and the Bates College Museum of Art.

On June 21 is the birthday of

Frieda Gertrud Riess, a highly successful German portrait photographer in the 1920s with a studio in central Berlin. She was born in Czarnikau in the Prussian Province of Posen. At the end of the 1890s, the family moved to Berlin where she first studied sculpture under Hugo Lederer (c. 1907) and later photography at the Berlin "Photographischen Lehranstalt", receiving her diploma in the summer of 1915.
In 1918, she opened a business on the prestigious Kurfürstendamm; it became one of the most popular studios in the city. Partly as a result of her marriage to the journalist Rudolf Leonhard in the early 1920s, she extended her clientele to celebrities such as playwright Walter Hasenclever, novelist Gerhart Hauptmann and actors and actresses including Tilla Durieux, Asta Nielsen and Emil Jannings. While on a trip to Italy in 1929, she was invited to photograph Benito Mussolini. In addition, she contributed to the journals and magazines of the day including Die Dame, Berliner Illustrierte Zeitung, Der Weltspiegel, Querschnit and Koralle.
Her success in Berlin was however short-lived. In 1932, after falling in love with the elderly French ambassador in Berlin, she moved to Paris with him, disappearing from the public eye. Even the date of her death cannot be clearly established (c.1955) and her place of burial remains unknown.
In 2008, a restrospective of her work was held in the Berlinische Galerie.

On June 22 is the birthday of

Abbas Kiarostami (عباس کیارستمی‎‎), Iranian film director, screenwriter, photographer and film producer born in 1940 in Tehran.
An active film-maker from 1970, Kiarostami had been involved in over forty films, including shorts and documentaries. Kiarostami attained critical acclaim for directing the Koker trilogy (1987–94), Close-Up (1990), Taste of Cherry (1997) – which was awarded the Palme d'Or at the Cannes Film Festival that year – and The Wind Will Carry Us (1999). In his later works, Certified Copy (2010) and Like Someone in Love (2012), he filmed for the first time outside Iran: in Italy and Japan, respectively.
Kiarostami had worked extensively as a screenwriter, film editor, art director and producer and had designed credit titles and publicity material. He was also a poet, photographer, painter, illustrator, and graphic designer. He was part of a generation of filmmakers in the Iranian New Wave, a Persian cinema movement that started in the late 1960s and includes pioneering directors such as Bahram Beyzai, Nasser Taghvai, Ali Hatami, Masoud Kimiai, Dariush Mehrjui, Sohrab Shahid Saless and Parviz Kimiavi. These filmmakers share many common techniques including the use of poetic dialogue and allegorical storytelling dealing with political and philosophical issues.
Kiarostami had a reputation for using child protagonists, for documentary-style narrative films, for stories that take place in rural villages, and for conversations that unfold inside cars, using stationary mounted cameras. He is also known for his use of Persian poetry in the dialogue, titles, and themes of his films. Kiarostami's films contain a notable degree of ambiguity, an unusual mixture of simplicity and complexity, and often a mix of fictional and documentary elements. The concepts of change and continuity, in addition to the themes of life and death, play a major role in Kiarostami's works.
Kiarostami, along with Jean Cocteau, Satyajit Ray, Derek Jarman and Alejandro Jodorowsky, was a filmmaker who expressed himself in other genres, such as poetry, set designs, painting, or photography.
Kiarostami was a noted photographer and poet. A bilingual collection of more than 200 of his poems, Walking with the Wind, was published by Harvard University Press. His photographic work includes Untitled Photographs, a collection of over thirty photographs, mostly of snow landscapes, taken in his hometown Tehran, between 1978 and 2003.
He died in 2016.

On June 23 is the birthday of

Francis Julian Gutmann, British photographer born in 1913, ‘Franzie’ was brought up in Munich from 1919, where he first experimented with photography on a Box Brownie camera. He returned to London in 1931. As an eighteen-year old, he became apprenticed to the fashion and advertising photographer Shaw Wildman, and later worked for Peter Rose Pulham. His early fashion photographs appeared in Vogue and Harper’s Bazaar magazines, while his society portraits were published in The Sketch. Much of Goodman’s original work from the 1930s was lost during the Second World War, but several photographs are still traceable in photographic magazines and annuals, and press reproductions.
During the Second World War, Goodman served as an army private, and later with the Royal Air Force’s Photographic Interpretation Unit in Medmenham. He returned to portraiture in 1945, and began working on location with three portable flood lights and a Rolleiflex camera. Most of his work appeared regularly in The Tatler and Bystander from the mid 1940s until the late 1950s.
In the 1950s, Goodman continued to take society portraits and also recorded costume balls, parties and book launches. His fashion photographs, which often featured famous actors and designers in the early stages of their careers, continued to be published in magazines such as The Tatler and Bystander, and also in Gentlemen’s Quarterly and Cloth and Clothes.
Goodman also began working as a travel photographer. He worked for P&O and Union Castle liners, and travelled with Royal Air Force Transport Command to complete assignments in Hong Kong, Singapore and Borneo. In the 1960s, he was employed by the tourist boards of the Bahamas, Barbados and Jamaica, where he photographed well-known personalities holidaying there. In 1966, Goodman gained his ‘first regular job’ with the British Cycling Bureau, photographing famous sitters on bicycles and writing accompanying articles.
Goodman did not become wealthy through photography, but always believed in being well-dressed and keeping a fashionable London address. Personable and popular, he was always modest about his achievements. Goodman died in 1989 and bequeathed his remaining archive of negatives to the National Portrait Gallery.

On June 24 is the birthday of

Mohammad "Moe" Kheirkhah Zoyari, Iranian-American photographer born in 1986. Zoyari won a Pictures of the Year International Award of Excellence at the age of 21.
He worked for United Press International, and the BBC from 2005 to 2015. He started his work as a photographer at the age of 14. After covering Iran's nuclear program, earthquakes, and political turmoil, he covered events in the Middle East, Europe and the United States. His photographs have been published in Newsweek, Time, and Le Figaro. Zoyari left Iran for good after the turbulent aftermath of Iranian presidential election, 2009 and went to Afghanistan for 44 days to be an embedded journalist with the U.S. Army, and is now based in Chicago, IL. He is a represented by Redux Pictures and works for Deutsche Welle.

Today, June 25, is the birthday of

Mathieu Asselin, French-Venezuelan photographer artist born in 1973 in the South of France, specializing in documentary photography.
He spends his childhood in Venezuela. At the age of 16 he starts working with acknowledged Venezuelan director Alfredo Anzola. Camera becomes his passion. In his early 20s, Mathieu moves to Europe to begin his career as a photographer. He joins French photo agency L'Oeil du Sud, and works on a project in Spain covering one of the biggest European drug markets. His pictures have been published in international publications such as Geo Germany, Paris Match, Le Monde (France), El País, Altair, Razor Magazine, Gente Italy, among others. 
In 2005 Mathieu moves to New York City. He experiments a lot to perfect his lightening techniques and works mostly on portrait photography. In the last several years he established himself as a commercial photographer working with Universities, architects and advertising agencies.
Mathieu Asselin’s personal work focuses on documentary photography that, as he says, has strong creative restrictions, which he breaks through with his lighting techniques. “If documentary is considered a form of fiction, it is there, where my reality finds shelter”.

sábado, 24 de junio de 2017

Aniversarios (CLXXXIII) [Junio / June 18-24]

Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
Todos los aniversarios de Junio aquí / All anniversaries for June here.
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El 18 de Junio es el cumple de

Leo Putz, pintor tirolés nacido en 1869 en Merano. Su obra abarca el Arte Nouveau, el Impresionismo y los inicios del Expresionismo. Figuras, desnudos y paisajes son sus temas predominantes.

"Hinter des Kulissen / Detrás de la escena / Behind the Scenes"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 207 x 226 cm., 1905. Sotheby's

Comenzó sus estudios a los dieciséis años en la Academia de Bellas Artes de Munich, donde estudió con el pintor de temas históricos Gabriel von Hackl. Convencido de que tenía gran talento, su padre lo envió a la Académie Julian en París. Después del servicio militar regresó a Munich y estudió con Paul Hoecker. Abrió su primer estudio en 1897. Ese mismo año se convirtió en miembro de la Secesión de Munich. Trabajó con la revista semanal Jugend y muchas de sus pinturas fueron reproducidas en la página de títulos de la revista. Durante este tiempo también trabajó como artista comercial, creando muchos carteles en estilo Art Nouveau y carteles para la Moderne Galerie München.

"Tico Mewes", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 53 x 44,5 cm., 1912. Sotheby's

La Staatsgalerie Dresden y la Neue Königliche Pinakothek adquirieron muchas de sus obras en 1903. Se convirtió en ciudadano honorario de Baviera en 1909, un requisito previo para convertirse en profesor, para lo que fue citado ese mismo año. Entre 1909 y 1914 pasó sus veranos en Schloss Hartmannsberg, cerca de Chiemgau, para practicar la pintura al aire libre. Mientras estuvo allí tuvo varios estudiantes, entre ellos el estadounidense Edward Cucuel. También fue allí donde creó sus obras más conocidas: las dos series conocidas como las "Cuadros de botes" y las "Bañistas". En ambas se centró en retratar jóvenes y hermosas mujeres, que es una característica prominente de su trabajo temprano. En 1913 se casó con la paisajista Frieda Blell. Se trasladó a Gauting en 1922, donde construyó una casa, comprando los materiales de construcción con el producto de la venta de sus pinturas.

"Reigen / La danza / The Dance", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 123 x 160 cm. Sotheby's

"Waldesruhe / Calma del bosque / Forest Calm", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 69 x 76,5 cm. Sotheby's

Él y su familia aceptaron una invitación para mudarse a Brasil en 1929. A petición de Lúcio Costa, tomó una cátedra en la Escuela Nacional de Bellas Artes en 1931. Allí dio conferencias sobre composición y tomó varios estudiantes, incluyendo el arquitecto paisajista Roberto Burle Marx. Durante su estancia, sus colores tomaron un sabor más tropical y la (para él) la vida vegetal exótica se convirtió en un tema favorito. A menudo viajaba a áreas remotas en mula en busca de inspiración. Regresó a Alemania en 1933. Una selección de sus obras sudamericanas fue el foco de una exposición en Munich en 1935. Leo Putz está representado con dos dibujos de escenas de Rio de Janeiro en la colección del Museu de Arte do Rio (MAR), Un regalo de Fundo Z.
Se convirtió en un oponente del nacionalsocialismo y su arte fue etiquetado como "degenerado". A partir de 1936 fue interrogado repetidamente por la Gestapo y se vio obligado a huir de regreso a su región natal, el Tirol del Sur. En 1937 se le prohibió oficialmente trabajar en Alemania. Durante el resto de su vida se concentró en pintar castillos, pueblos y paisajes amables.
Murió en 1940.

"Im Kahn / Bote de remos / Rowboat", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 76,5 x 91,5 cm. Sotheby's


El 19 de Junio es el cumple de

Bryan Kneale, artista y escultor de la Isla de Man nacido en la capital, Douglas, en 1930.
Estudió pintura en la Escuela de Arte de Douglas, de donde se graduó en 1947, y luego se trasladó a Londres para estudiar en las Escuelas de la Real Academia. En 1948 ganó el Premio de Roma y pasó algún tiempo viviendo en Italia. Durante la década de 1950 aprendió a soldar, y en 1960 tomó la escultura en lugar de la pintura, convirtiéndose en un maestro.

"La monja / The Nun", óleo sobre panel / oil on board, 68 x 73,5 cm., 1958. Invaluable

Ha enseñado en el Colegio de Arte y Diseño de Hornsey, y desde 1963 hasta su retiro de la enseñanza en 1995 enseñó escultura en el Royal College of Art. También fue maestro y más tarde profesor de Escultura en la Real Academia entre 1982 y 1990. Además de enseñar, se han celebrado numerosas exposiciones de su propio trabajo de pintura y escultura desde 1953, y sus obras se exhiben en países como Australia, Brasil, Nueva Zelanda y Estados Unidos, donde el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York incluye ejemplos de su obra entre sus colecciones públicas.

Triton III (Artsy)

Triton III (2)
El escultor Bryan Kneale posa con su instalación escultórica Tritón III, en el patio Annenberg de la Real Academia de las Artes el 18 de mayo de 2009, en Londres, Inglaterra /
Sculptor Bryan Kneale poses with his sculptural installation, "Triton III" in the Annenberg Courtyard of the Royal Academy of Arts on May 18, 2009 in London, England, 2009. Zimbio

Fue galardonado con un Premio Leverhulme Trust en 1952, así como el premio Daily Express Young Pintores (1955) y un Arts Council Purchase Award (1969). Después de una exitosa exposición en solitario en la Galería Whitechapel en 1966, Kneale se convirtió en el primer escultor abstracto elegido como Real Académico en 1974. Sólo aceptó el honor con la condición de que le permitieran curar un espectáculo de escultura contemporánea que resultó en un visión innovadora de algunos de los escultores más interesantes del período.

"Sir Michael Redgrave (1908–1985), como / as Hamlet, Stratford (de / from 'Hamlet')"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 152,5 x 101,5 cm., 1958. ArtUK

"Autorretrato / Self Portrait", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 126,7 x 101,7 cm., 1955
Royal Albert Memorial Museum (Exeter, Reino Unido / UK). ArtUK

Kneale es el hermano menor del guionista Nigel Kneale (1922-2006), más conocido por sus series de televisión Quatermass. Kneale ilustró las portadas de los lanzamientos de Penguin Books de los guiones de Quatermass de su hermano mayor en 1960. También fue responsable de una pintura de una langosta de la cual los diseñadores de efectos especiales de la BBC Bernard Wilkie y Jack Kine se inspiraron en las criaturas marcianas que construyeron para "Quatermass y el hoyo" (1958-59).
Actualmente vive en Londres.

"Charles Laughton (1899–1962)", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 103,5 x 78,1 cm., 1958-59
Nottingham Castle Museum and Art Gallery (Nottingham, Reino Unido / UK). ArtUK


El 20 de Junio es el cumple de

Konstantin Yegorovich Makovsky (Константин Егорович Маковский), pintor ruso nacido en Moscú el 20 de junio [Calendario juliano, 2 de julio] 1839.

"Боярский свадебный пир / Un banquete de bodas boyardo / A Boyar Wedding Feast"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 240 x 390 cm., 1883. Google Art Project
Hillwood Estate, Museum & Gardens (Washington, EE.UU./ USA)

Muchas de sus pinturas históricas, tales como "El traje de la novia rusa" (1889), mostraron una visión idealizada de la vida rusa de siglos pasados. A menudo es considerado un representante del arte académico.
En 1851 Makovsky entró en la Escuela de Moscú de Pintura, Escultura y Arquitectura, donde se convirtió en el mejor estudiante, obteniendo fácilmente todos los premios disponibles. Sus profesores eran Karl Bryullov y Vasily Tropinin. Las inclinaciones de Makovsky al romanticismo y los efectos decorativos pueden explicarse por la influencia de Bryullov.

"Поцелуйный обряд / El ritual del beso / Kissing Custom"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1895
Museo Estatal Ruso (San Petersburgo, Rusia / St. Petersbourg, Russia). Wikimedia Commons

Aunque el arte era su pasión, también consideró lo que su madre quería que hiciera. Se fue a buscar compositores que le sirvieran de referencia, yendo primero a Francia. Siempre había sido un amante de la música clásica y escuchado muchas piezas. A menudo deseaba poder cambiar la melodía o el estilo de algunos de ellos para hacerlos más agradables. Más tarde en su vida esto se hizo realidad.
En 1858 Makovsky entró en la Academia Imperial de Artes en San Petersburgo. A partir de 1860 participó en las exposiciones de la Academia con pinturas como "Curación de los Ciegos" (1860) y "Agentes del Falso Dmitry matan al hijo de Boris Godunov" (1862). En 1863 Makovsky y otros trece estudiantes realizaron una protesta contra el establecimiento por parte de la Academia de temas de la mitología escandinava en la competición para la Gran medalla de oro grande de la Academia. Todos dejaron la academia sin un diploma formal.

"Под венец / El traje de la novia rusa / The Russian Bride's Attire"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1884
Museo Sérpujov de Arte e Historia (Serpújov, Rusia / Russia). The Athenaeum

Makovsky se convirtió en miembro de una cooperativa (artel) de artistas dirigida por Ivan Kramskoi, produciendo las típicas pinturas de los Wanderers de la vida cotidiana (Viuda, 1865, Vendedores de arenques, 1867, etc.). Desde 1870 fue miembro fundador de la Society for Traveling Art Exhibitions y continuó trabajando en pinturas dedicadas a la vida cotidiana.
Un cambio significativo en su estilo ocurrió después de viajar a Egipto y Serbia a mediados de 1870s. Sus intereses pasaron de los problemas sociales y psicológicos a problemas artísticos del color y la forma.

"Flores / Flowers", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1884
Museo Estatal Ruso (San Petersburgo, Rusia / St. Petersbourg, Russia). The Athenaeum

En la década de 1880 se convirtió en un autor de moda de retratos y pinturas históricas. En la Feria Mundial de 1889 en París recibió la Gran Medalla de Oro por sus cuadros "Muerte de Iván el Terrible", "El Juicio de París", y "El Demonio y Tamara". Fue uno de los artistas rusos más apreciados y muy bien pagado en su época. Muchos críticos democráticos lo consideraron un renegado de los ideales de los Wanderers, produciendo (como Henryk Siemiradzki) trabajos llamativos pero superficiales, mientras que otros lo ven como un precursor del Impresionismo ruso.
Makovsky fue asesinado en 1915 cuando su carro tirado por caballos fue golpeado por un tranvía eléctrico en San Petersburgo.

"Школав Каире / Escuela en El Cairo / School in Cairo"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 77 x 112 cm. Colección privada / Private Collection. The Athenaeum


El 21 de Junio es el cumple de

Henry Ossawa Tanner, artista estadounidense nacido en 1859, el primer pintor afroamericano en ganar aclamación internacional.

"Hilando a la luz de la hoguera - La infancia de George Washington /
Spinning By Firelight - The Boyhood of George Washington"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 118,1 x 168,9 cm., 1894. Wikipedia

Tanner se trasladó a París en 1891 para estudiar, y allí continuó viviendo después de ser aceptado en los círculos artísticos franceses. Su pintura titulada "Daniel en la guarida de los Leones" fue aceptada en el Salón de 1896, la exposición oficial de arte de la Académie des Beaux-Arts en París.
Después de sus estudios autodidactas de joven, Tanner se inscribió en 1879 en la Academia de Bellas Artes en Filadelfia en Pensilvania. Siendo el único estudiante negro, se convirtió en favorito del pintor Thomas Eakins, que había comenzado recientemente a enseñar allí. Tanner hizo otras conexiones entre artistas, incluyendo a Robert Henri. A finales de la década de 1890 fue patrocinado para un viaje a Palestina por Rodman Wanamaker, que quedó impresionado por sus pinturas de temas bíblicos.

"El arco / The Arch", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 99,7 x 97 cm., 1919. 
Brooklyn Museum (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

Tanner es a menudo considerado como un pintor realista, centrándose en representaciones precisas de los sujetos. Mientras que las obras como "La lección de banjo" se referían a la vida cotidiana como un afroamericano, Tanner posteriormente pintó temas basados ​​en temas religiosos, por los que ahora es más conocido. Es probable que el padre de Tanner, un ministro de la Iglesia Episcopal Metodista Africana, fuera una influencia formativa para él.

"La lección de banjo / The Banjo Lesson", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 124,5 × 90,2 cm., 1893
Hampton University Museum (Virginia, EE.UU./ USA). Wikimedia Commons

La obra de Tanner no se limita a un enfoque específico de la pintura y el dibujo. Sus obras varían desde la atención meticulosa a los detalles en algunas pinturas, a pinceladas sueltas y expresivas en otras. A menudo ambos métodos se emplean simultáneamente. La combinación de estas dos técnicas contribuye a un equilibrio magistral entre la hábil precisión y una expresión de gran alcance. Tanner también estaba interesado en los efectos que el color tenía en una pintura. Muchas de sus pinturas acentúan un área específica del espectro de color.
Murió en 1937.

"Daniel en al guarida de los leones / Daniel in the Lions' Den"
Óleo sobre papel, montado sobre lienzo / oil on paper mounted on canvas, 104,46 x 126,8 cm., 1907-18
Los Angeles County Museum of Art (California, EE.UU./ CA, USA)


El 22 de Junio es el cumple de

Wangechi Mutu, artista y escultora nacida en Nairobi, Kenya, en 1972, que vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York. Mutu es considerada por muchos como una de las artistas africanas contemporáneas más importantes de los últimos años.

"Árbol de familia / Family Tree", collage de técnica mixta sobre papel /
mixed-media collage on paper, 41,28 x 31,12 cm., 2012. Suite of 13
Nasher Museum of Art at Duke University (Durham, Carolina del Norte, EE.UU./ NC, USA)

Fue educada en el convento de Loreto Msongari (1978-1989) y más tarde estudió en el United World College del Atlántico, Gales (I.B., 1991). Mutu se trasladó a Nueva York en la década de 1990, centrándose en Bellas Artes y Antropología en la New School for Social Research y la Parsons School of Art and Design. Consiguió una licenciatura en bellas artes de Cooper Unión para el Avance de las Artes y la Ciencia en 1996, y luego recibió una maestría en escultura de la Universidad de Yale en el año 2000.

"Pequeñas e imperdonables jerarquías erróneas / Misguided Little Unforgivable Hierarchies"
Tinta, acrílico, collage y papel adhesivo sobre Mylar /
ink, acrylic, collage, and contact paper on Mylar, 205,74 x 132,08 cm., 2005. Nasher
San Francisco Museum of Modern Art (California, EE.UU./ CA, USA). 

Su primera exposición individual en un importante museo norteamericano se inauguró en la Galería de Arte de Ontario en marzo de 2010. Su primera exposición individual en Estados Unidos, "Wangechi Mutu: Un fantástico viaje en Estados Unidos", se inauguró en el Nasher Museum of Art el 21 de marzo de 2013. "Un viaje fantástico" posteriormente pasó al centro de Elizabeth A. Sackler del museo de Brooklyn para el arte feminista en octubre de 2013.
El 23 de febrero de 2010, Wangechi Mutu fue honrada por el Deutsche Bank como su primera "Artista del Año". El premio incluyó una exposición individual en el Deutsche Guggenheim de Berlín. Titulada "My Dirty Little Heaven", la muestra viajó en junio de 2010 al Wiels Center for Contemporary Art en Forest, Bélgica.

"Delicioso y divertido campo frutal / Funkalicious Fruit Field"
Tinta, pintura, técnica mixta, perlas de plástico y collage sobre Mylar /
ink, paint, mixed media, plastic pearls, and collage on Mylar, 233,7 x 269,24 cm., 2007
Colección / Collection Glenn Scott Wright (Londres / London). Nasher

La obra de Wangechi Mutu abarca una variedad de medios, incluyendo collage, video, performance y escultura, e investiga temas de género, raza y colonialismo. Un tema recurrente del trabajo de Mutu son sus diversas representaciones de la feminidad. Mutu utiliza el tema femenino en su arte, incluso cuando las figuras son más o menos irreconocibles, ya sea utilizando la propia forma o la textura y los patrones a partir de los cuales está hecha la figura. Su uso de representaciones etéreas para las mujeres, muchas veces mostradas en una pose aparentemente sexual o sensual, lleva a discusión sobre la objetivación de las mujeres. En concreto, Mutu se ocupa de la hiper-objetificación de los cuerpos femeninos negros y ha utilizado una naturaleza etérea para reiterar la naturaleza ficticia de las representaciones de las mujeres negras en la sociedad.
La obra de Mutu ha sido expuesta en galerías y museos de todo el mundo.

"La novia que se casó con una cabeza de camello / The Bride Who Married a Camel's Head"
Técnica mixta sobre Mylar / mixed media on Mylar, 106,68 x 76,20 cm., 2009
Colección / Collection Deutsche Bank (Alemania / Germany)

Wangechi Mutu en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (XXVII)]


El 23 de Junio es el cumple de

Robert Hermann Sterl, pintor y artista gráfico alemán nacido en 1867 en Großdobritz, ahora parte de Dresde.

"Sensendengler in Wittenborn", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 45 x 57,5 cm., 1901. Wikimedia Commons

Era hijo de un cantero. De 1881 a 1888 asistió a la Academia de Bellas Artes de Dresden, donde estudió con Leon Pohle y Julius Scholtz, convirtiéndose más tarde en estudiante del maestro Ferdinand Pauwels. Una estancia en la colonia de artistas en Goppeln cerca de Bannewitz le introdujo en el impresionismo y la pintura al aire libre.

"Erntetrunk", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 57 × 44,5 cm., 1903. Wikimedia Commons

Después de salir del estudio de Pauwels, trabajó como paisajista y retratista y, hasta 1904, operó una escuela privada de pintura para mujeres. En 1893, se convirtió en uno de los miembros fundadores de la Secesión de Dresde. Fue nombrado profesor en la Academia en 1906, donde enseñó hasta 1931, y se convirtió en miembro asociado de la Secesión de Berlín en 1909. De 1913 a 1930, fue miembro de la Dresdner Galeriekommission y, a partir de 1920, tuvo un asiento En la Junta Consultiva de la Galería, cuyas posiciones le permitieron ayudar a los jóvenes artistas. Cuando Gotthardt Kuehl murió en 1915, Sterl se hizo cargo de su Master Class. Durante la Primera Guerra Mundial, trabajó como pintor de guerra, en el Frente Occidental en 1915 y el frente sur en los Dolomitas en 1917. Después de la guerra, compró una casa en Struppen y construyó un estudio espacioso allí.

"Steinmetzen beim Quadern im Bruch / Canteros en la cantera partiendo bloques /
Stonemasons in the quarrying breaking blocks"
Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 23,4 × 30 cm. Wikimedia Commons

Además del tema impresionista habitual, pintó músicos y obreros, especialmente canteros. Era simpático a las causas liberales, produciendo muchas obras socialmente conscientes; Algunos de los cuales se establecen en Rusia, donde había viajado brevemente antes de la guerra. Dos de sus pinturas fueron etiquetadas "arte degenerado" en 1937 y quitado de la galería Neue Meister. Durante los años de la RDA, sus obras fueron elogiadas por algunas de las mismas razones por las que los nazis los habían condenado.

Estudio para "Los picapedreros" / Study for "The Stone breakers"
Óleo sobre panel / oil on panel, 23 x 31 cm., 1912. Wikimedia Commons

Murió después de una larga enfermedad y fue enterrado en su casa, legando sus propiedades a la Academia con el propósito de descubrir y promover nuevos artistas. La "Fundación Robert y Helene Sterl" fue creada justo antes de su muerte en 1931 y, desde 1981, la casa ha sido operada como un museo y centro de investigación. A partir de 1997, la Fundación y organizaciones afines han otorgado el "Premio Robert Sterl" a un estudiante de maestría en la Academia. El premio incluye 3.000 € y una exposición en el museo.
Murió en 1932.

"Die Steinbrecher / Los picapedreros / The Stone Breakers"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 126 × 105,8 cm., 1911
Museum der bildenden Künste (Leipzig, Alemania / Germany). Wikimedia Commons


Hoy, 24 de Junio, es el cumple de

Igor Filippov, pintor de Sebastopol, Ucrania, nacido en 1961.

"Gorgona", 2013

"Los hipocampos / The Sea Horses", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 19,75" x 31,5", 2008

Filippov ha expuesto sus obras en muchos museos y festivales de Europa (Rusia, Ucrania, Noruega, España, Reino Unido, Francia) y Estados Unidos. También fue profesor de arte en la Escuela Municipal de Arte de Severodvinsk, Rusia (1990-2003). El tema general de su obra es "los mitos de diferentes culturas".

"El minotauro / The Minotaur", 2013

"El sueño de la Quimera / The Dream of Chimera", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50 x 60 сm., 2010

Carrera
Escuela de Arte en la Universidad de Educación, San Petersburgo, Rusia, 1986-1991, Máster en Bellas Artes
Estudio Municipal de Arte, Severodvinsk, Rusia (1990-2003)
Unión de las Artes de Rusia (2000)
Miembro de la Asociación Internacional de Arte (2000)
Asociación Internacional de Artes Plásticas-IAA AIAP UNESCO (2000)

"La esfingre / The Sphinx", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 15,75" x 27,5", 2008


Textos en inglés / English translation

On June 18 is the birthday of

Leo Putz, Tyrolean painter born in 1869 in Merano. His work encompasses Art Nouveau, Impressionism and the beginnings of Expressionism. Figures, nudes and landscapes are his predominant subjects.
He began his studies at the age of sixteen at the Academy of Fine Arts Munich, where he studied with the history painter Gabriel von Hackl. Convinced that he had great talent, his father sent him to the Académie Julian in Paris. After military service, he returned to Munich and studied with Paul Hoecker. He opened his first studio in 1897. That same year, he became a member of the Munich Secession. He worked with the weekly magazine Jugend and many of his paintings were reproduced on the magazine's title page. During this time, he also worked as a commercial artist, creating many posters in Art Nouveau style and billboards for the Moderne Galerie München.
The Staatsgalerie Dresden and the Neue Königliche Pinakothek acquired many of his works in 1903. He became an honorary citizen of Bavaria in 1909; a prerequisite for becoming a Professor, which appointment he received that same year. Between 1909 and 1914, he spent his summers at Schloss Hartmannsberg near Chiemgau to practice plein-air painting. While there, he took on several students, among them the American artist Edward Cucuel. It was also there that he created his best-known works; the two series known as the "Boat Pictures" and the "Bathers". In both, he focused on portraying beautiful young women, which is a prominent feature of his early work. In 1913, he married the landscape painter Frieda Blell. He relocated to Gauting in 1922, where he built a house; trading his paintings for building materials. 
He and his family accepted an invitation to move to Brazil in 1929. At the request of Lúcio Costa, he took a professorship at the Escola Nacional de Belas Artes in 1931. There, he gave lectures on composition and took on several students, including the landscape architect Roberto Burle Marx. During his stay, his colors took on a more tropical flavor and the (for him) exotic plant life became a favorite subject. He would often travel to remote areas on muleback in search of inspiration. He returned to Germany in 1933. A selection of his South American works was the focus of an exhibition in Munich in 1935. Leo Putz is represented with two drawing of scenes do Rio de Janeiro in the collection of the Museu de Arte do Rio (MAR), a gift of Fundo Z.
He became an opponent of National Socialism and his art was labelled "degenerate". Beginning in 1936, he was repeatedly interrogated by the Gestapo and was forced to flee back to his native region, the South Tyrol. In 1937, he was officially banned from working in Germany. For the remainder of his life, he concentrated on painting castles, villages and benign landscapes.
He died in 1940.

On June 19 is the birthday of

Bryan Kneale, a Manx artist and sculptor born in island's capital, Douglas, in 1930.
He studied painting at the Douglas School of Art, from which he graduated in 1947, and then moved to London, to study at the Royal Academy Schools. In 1948, he won the Rome Prize and spent some time living in Italy. During the 1950s, he learned welding, and in 1960 took to sculpture in preference to painting, and became a teacher. 
He has taught at Hornsey College of Art and Design, and from 1963 until his retirement from teaching in 1995 he taught sculpture at the Royal College of Art. He was also Master and later Professor of Sculpture at the Royal Academy between 1982 and 1990. In addition to his teaching, numerous exhibitions of his own painting and sculpture work have been held since 1953, and his works are displayed in countries such as Australia, Brazil, New Zealand and the United States. In the USA, the Museum of Modern Art in New York City includes examples of his work amongst its public collections.
He was awarded a Leverhulme Trust Prize in 1952, as well as the Daily Express Young Painters' Prize (1955) and an Arts Council Purchase Award (1969). After a successful solo show at the Whitechapel Gallery in 1966, Kneale became the first abstract sculptor to be elected a Royal Academician in 1974. He accepted the honour only on the condition that he be allowed to curate a show of contemporary sculpture which resulted in a groundbreaking survey of some of the period's most exciting sculptors.
Kneale is the younger brother of the screenwriter Nigel Kneale (1922–2006), best known for his Quatermass television serials. Kneale illustrated the covers for Penguin Books' releases of his elder brother's Quatermass scripts in 1960. He was also responsible for a painting of a lobster from which BBC special effects designers Bernard Wilkie and Jack Kine drew their inspiration for the Martian creatures they constructed for Quatermass and the Pit (1958–59).
He currently lives in London.

On June 20 is the birthday of

Konstantin Yegorovich Makovsky (Константин Егорович Маковский), Russian painter born in Moscow on June 20 [O.S. July 2] 1839.
Many of his historical paintings, such as The Russian Bride's Attire (1889), showed an idealized view of Russian life of prior centuries. He is often considered a representative of Academic art.
In 1851 Makovsky entered the Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture where he became the top student, easily getting all the available awards. His teachers were Karl Bryullov and Vasily Tropinin. Makovsky's inclinations to Romanticism and decorative effects can be explained by the influence of Bryullov.
Although art was his passion, he also considered what his mother had wanted him to do. He set off to look for composers he could refer to, and first went to France. Before, he had always been a classical music lover, and listened to many pieces. He often wished he could change the tune, or style of some of them to make them more enjoyable. Later in his life it came true.
In 1858 Makovsky entered the Imperial Academy of Arts in Saint Petersburg. From 1860 he participated in the Academy's exhibitions with paintings such as Curing of the Blind (1860) and Agents of the False Dmitry kill the son of Boris Godunov (1862). In 1863 Makovsky and thirteen other students held a protest against the Academy's setting of topics from Scandinavian mythology in the competition for the Large Gold Medal of Academia; all left the academy without a formal diploma.
Makovsky became a member of a co-operative (artel) of artists led by Ivan Kramskoi, typically producing Wanderers paintings on everyday life (Widow 1865, Herring-seller 1867, etc.). From 1870 he was a founding member of the Society for Traveling Art Exhibitions and continued to work on paintings devoted to everyday life.
A significant change in his style occurred after traveling to Egypt and Serbia in the mid-1870s. His interests changed from social and psychological problems to the artistic problems of colors and shape.
In the 1880s he became a fashioned author of portraits and historical paintings. At the World's Fair of 1889 in Paris he received the Large Gold Medal for his paintings Death of Ivan the Terrible, The Judgement of Paris, and Demon and Tamara. He was one of the most highly appreciated and highly paid Russian artists of the time. Many democratic critics considered him as a renegade of the Wanderers' ideals, producing (like Henryk Siemiradzki) striking but shallow works, while others see him as a forerunner of Russian Impressionism.
Makovsky was killed in 1915 when his horse-drawn carriage was hit by an electric tram in Saint Petersburg.

On June 21 is the birthday of

Henry Ossawa Tanner, American artist born in 1859, and the first African-American painter to gain international acclaim.
Tanner moved to Paris in 1891 to study, where he continued to live after being accepted in French artistic circles. His painting entitled Daniel in the Lions' Den was accepted into the 1896 Salon, the official art exhibition of the Académie des Beaux-Arts in Paris.
After his own self-study in art as a young man, Tanner enrolled in 1879 at the Pennsylvania Academy of the Fine Arts in Philadelphia. As the only black student, he became a favorite of the painter Thomas Eakins, who had recently begun teaching there. Tanner made other connections among artists, including Robert Henri. In the late 1890s he was sponsored for a trip to Palestine by Rodman Wanamaker, who was impressed by his paintings of biblical themes.
Tanner is often regarded as a realist painter, focusing on accurate depictions of subjects. While works such as The Banjo Lesson were concerned with everyday life as an African American, Tanner later painted themes based on religious subjects, for which he is now best known. It is likely that Tanner's father, a minister in the African Methodist Episcopal Church, was a formative influence for him.
Tanner's body of work is not limited to one specific approach to painting and drawing. His works vary from meticulous attention to detail in some paintings to loose, expressive brushstrokes in others. Often both methods are employed simultaneously. The combination of these two techniques makes for a masterful balance of skillful precision and powerful expression. Tanner was also interested in the effects that color could have in a painting. Many of his paintings accentuate a specific area of the color spectrum.
He died in 1937.

On June 22 is the birthday of

Wangechi Mutu, artist and sculptor born in Nairobi, Kenya, in 1972, who lives and works in Brooklyn, New York. Mutu is considered by many to be one of the most important contemporary African artists of recent years.
She was educated at Loreto Convent Msongari (1978–1989) and later studied at the United World College of the Atlantic, Wales (I.B., 1991). Mutu moved to New York in the 1990s, focusing on Fine Arts and Anthropology at The New School for Social Research and Parsons School of Art and Design. She earned a BFA from Cooper Union for the Advancement of the Arts and Science in 1996, and then received a master's degree in sculpture from Yale University in 2000.
Her first solo exhibition at a major North American museum opened at the Art Gallery of Ontario in March 2010. Her first U.S. solo exhibition, Wangechi Mutu: A Fantastic Journey in the United States opened at Nasher Museum of Art on 21 March 2013. A Fantastic Journey subsequently traveled to the Brooklyn Museum's Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art in October 2013.
On 23 February 2010, Wangechi Mutu was honoured by Deutsche Bank as their first "Artist of the Year". The prize included a solo exhibition at the Deutsche Guggenheim in Berlin. Titled My Dirty Little Heaven, the show travelled in June 2010 to the Wiels Center for Contemporary Art in Forest, Belgium.
Wangechi Mutu's work crosses a variety of mediums, including collage, video, performance, and sculpture, and investigates themes of gender, race, and colonialism. A recurring theme of Mutu's work is her various depictions of femininity. Mutu uses the feminine subject in her art, even when the figures are more or less unrecognizable, whether by using the form itself or the texture and patterns the figure is made from. Her use of otherworldly depictions for women, many times shown in a seemingly sexual or sensual pose, brings about discussion of the objectification of women. Specifically, Mutu addresses the hyper-objectification of black female bodies and has used an otherworldly nature to reiterate the fictitious nature of society's depictions of black women
Mutu's work has been exhibited at galleries and museums worldwide.

On June 23 is the birthday of

Robert Hermann Sterl, German painter and graphic artist born in 1867 in Großdobritz, now part of Dresden.
He was the son of a stonemason. From 1881 to 1888, he attended the Dresden Academy of Fine Arts, where he studied under Leon Pohle and Julius Scholtz, later becoming a master student of Ferdinand Pauwels. A stay at the artists' colony in Goppeln near Bannewitz introduced him to impressionism and plein air painting.
After leaving Pauwels' studio, he worked as a landscape painter and portraitist and, until 1904, operated a private painting school for women. In 1893, he became one of the founding members of the Dresden Secession. He was appointed a Professor at the Academy in 1906, where he taught until 1931, and became an associate member of the Berlin Secession in 1909. From 1913 to 1930, he was a member of the Dresdner Galeriekommission and, from 1920, had a seat on the Gallery Advisory Board, both of which positions enabled him to help young artists. When Gotthardt Kuehl died in 1915, Sterl took over his Master Class. During World War I, he worked as a war painter, on the Western Front in 1915 and the southern front in the Dolomites in 1917. After the war, he bought a house in Struppen and built a spacious studio there.
In addition to the usual impressionist subject matter, he painted musicians and workers, especially quarrymen. He was sympathetic to liberal causes, producing many socially conscious works; some of which are set in Russia, where he had travelled briefly before the war. Two of his paintings were labelled "degenerate art" in 1937 and removed from the Galerie Neue Meister. During the GDR years, his works were praised for some of the same reasons the Nazis had condemned them.
He died after a long illness and was buried at his home, bequeathing his estate to the Academy for the purpose of discovering and promoting new artists. The "Robert and Helene Sterl Foundation" was created just before his death in 1931 and, since 1981, the home has been operated as a museum and research facility. Beginning in 1997, the Foundation and related organizations have awarded the "Robert Sterl Prize" to a master student at the Academy. The prize includes €3,000 and an exhibit at the museum.
He died in 1932.

Today, June 24, is the birthday of

Igor Filippov, painter from Sevastopol, Ukraine, born in 1961.
Filippov has exhibited his works at many museums and festivals in Europe (Russia, Ukraine, Norway, Spain, Grermany, France) and the United States. He was also a professor of art at the Municipal Art School, Severodvinsk, Russia (1990–2003). The general theme of his work is "myths of different cultures".
Career
School of Art at University of Education, St. Petersburg, Russia, 1986-1991, MFA
Municipal Art Studio, Severodvinsk, Russia ( 1990-2003)
Union of Arts of Russia (2000)
Member of International Association of Art (2000)
Association Internationale Des Arts Plastiques-IAA AIAP UNESCO (2000)

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