lunes, 30 de septiembre de 2013

Patrick Kramer [Pintura]

Patrick Kramer


Patrick Kramer nació en Kaysville, Utah, siendo el hijo más jóven de una pareja de inmigrantes alemanes. Perfeccionista por naturaleza, el arte fue una salida para su personalidad obsesiva, permitiéndole centrarse en hacer las cosas "a la perfección". Tomó clases durante la secundaria, animado por sus profesores, y eventualmente decidió estudiar arte en la Brigham Young University.
Allí continuó centrado en el realismo, mejorando sus habilidades técnicas y artesanales. 

"3 Vasos / 3 Glasses", óleo sobre lienzo, Oil on Canvas, 24" x 32" © Patrick Kramer

 "El valor de la medida / Measuring Worth", óleo sobre tabla / Oil on Board, 8" x 10" © Patrick Kramer

Al volverse más y más detallado, su obra comenzó a rivalizar con la fotografía. Ésto le llevó a plantearse cuestiones que aún le preocupan: ¿Cuál es la propuesta de la pintura figurativa en la era de la fotografía? ¿Por qué pintar lo que es tan fácil de capturar con una cámara?

"Música de las esferas / Music of the Spheres", óleo sobre lienzo / Oil on Canvas, 16" x 26"
© Patrick Kramer

"Matt", óleo sobre tabla / Oil on Board, 8 3/4" x 11 3/4" © Patrick Kramer

"Vidrio Invernal / Winter Glass", óleo sobre tabla / Oil on Board, 14" x 11" © Patrick Kramer

"He llegado a comprender que la apelación a la pintura figurativa, desde el advenimiento de la fotografía, es debido en gran parte al proceso pictórico. Aunque la imagen en sí misma puede parecer una fotografía ordinaria, se puede sentir una intensidad psicológica en el trabajo manual, ya que tras la creación de la imagen subyacen el método lento y laborioso del artista, una intensa concentración y una miríada de decisiones artísticas. En mi obra, aspiro a que el espectador sienta la tensión entre la fotografía y lo manual: lo instantáneo y lo prolongado, lo omnipresente y lo único, lo imparcial y lo personal." P.K.

Izq./ Left: "Biblioteca de Salt Lake / Salt Lake Library" (Sepia), óleo sobre tabla / Oil on Board, 30" x 20"
Der. / Right: "Biblioteca de Salt Lake / Salt Lake Library", óleo sobre tabla / Oil on Board, 30" x 20"
© Patrick Kramer

"Studio B", óleo sobre tabla / Oil on Board, 24" x 18" © Patrick Kramer

Aunque ocasionalmente se aventure en el reino de la pincelada libre, generalmente ofrece una calidad firme y controlada en sus trabajos, ya sea que represente una biblioteca pública del centro de Salt Lake City, una flor contra una pared descascarada o un paisaje de rocas rojas.
Kramer puede pasar hasta seis o siete semanas trabajando a diario en una única pintura. Espera que los cientos de horas de dedicación que prodiga en una pieza llegue a sus espectadores.

"Luz dividida / Spilt Light", óleo sobre tabla / oil on board, 20" x 16" © Patrick Kramer

Los textos están traducidos de aquí y de aquí.
Se puede disfrutar del trabajo de Patrick en su sitio web y en deviantART.

"Esferas / Spheres", óleo sobre panel / Oil on Panel, 18" x 24" © Patrick Kramer

Patrick Kramer was born in Kaysville, Utah, the youngest child of German immigrants. A perfectionist by nature, art was an outlet for his obsessive personality, allowing him to focus on getting things “just right”. Taking art classes throughout high school, he was encouraged by his teachers, and eventually decided to study art at Brigham Young University.
There he continued to focus on realism, improving his technical skills and craftsmanship.

"Anna", óleo sobre tabla / Oil on Board, 8" x 8" © Patrick Kramer

Izq./ Left: "Cartas / Letters", óleo sobre tabla / Oil on Board, 16" x 12"
Der./ Right: "Creación / Creation", óleo sobre lienzo / Oil on canvas © Patrick Kramer

Becoming more and more detailed, his work began to rival that of the photograph. This led to questions that continue to bother him: What is the purpose of representational painting in the age of photography? Why paint what the camera can so easily capture?

"Cuatro rosas rojas / Four Red Roses", óleo sobre tabla / Oil on board, 24" x 18" © Patrick Kramer

"Dead Horse Point", óleo sobre tabla / Oil on Board, 12" x 12" © Patrick Kramer

“I came to realize that the appeal of representational painting since the advent of photography is due in a large part to the painting process. Although the image itself may come to resemble an ordinary photograph, a psychological intensity can be felt in the handmade work, as the artist’s laboriously slow method, intense concentration, and myriad of artistic decisions lie behind the creation of the image. In my work, I hope the viewer senses this tension between photography and the handmade — the instantaneous and the prolonged, the ubiquitous and the unique, the impartial and the personal.” P.K.

"Luz calma / Still Light", óleo sobre lienzo / Oil on Canvas, 20" x 16" © Patrick Kramer

Izq./ Left: "Rosa amarilla / Yellow Rose", óleo sobre panel / Oil on Panel, 24" x 18"
Der./ Right: "Rosa blanca / White Rose", óleo sobre tabla / Oil on Board, 24" x 18" © Patrick Kramer

Although he occasionally ventures into the realm of looser brush strokes, he typically brings a tight, controlled quality to his works, whether he is depicting a public library in downtown Salt Lake City, a flower set against a crumbling wall, or a red-rock landscape.
Kramer can spend upwards of six or seven weeks working daily on just one painting. He hopes the hundreds of hours of dedication he lavishes on a piece comes through to his viewers. 

"Perseverancia / Futilidad - Perseverance / Futility", óleo sobre tabla / Oil on Board, 24" x 18
© Patrick Kramer

Texts taken from here and here.
You can enjoy more artworks by Patrick in his website and also in deviantART.

"Luz de cristal / Crystal Light", óleo sobre tabla / Oil on Board, 11" x 14" © Patrick Kramer

Más sobre Patrick Kramer en "El Hurgador" / More about Patrick Kramer in this blog:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Patrick!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Patrick!)

viernes, 27 de septiembre de 2013

Hirotoshi Itoh [Escultura]

Hirotoshi Itoh hace reir a las piedras... y no es sólo un juego de palabras. Basta ver las creaciones de éste notable artista japonés. Un trabajo sorprendente.


Hirotoshi Itoh makes stones laugh ... and is not just a pun. Just look at the creations of this remarkable Japanese artist. An amazing work.

Hirotoshi Itoh
伊藤博敏


Hirotoshi Itoh es un escultor japonés nacido en Matsumoto, prefectura de Nagano, en 1958.
Se graduó en la Universidad Nacional de Bellas Artes en 1982, y más tarde se hizo cargo del negocio de albañilería de su familia. 

"Otra cara / Another Face" © Hirotoshi Itoh

"Rueda dentada / Cogwheel" © Hirotoshi Itoh

"Día fresco / Cold Day" © Hirotoshi Itoh

Como él mismo escribe:
"Soy un artista y artesano que talla esculturas en piedra. Desde 1979 a 1982 aprendí acerca del trabajo en metal en un curso técnico de la Universidad de Bellas Artes de Tokyo. Durante mi época universitaria sentí interés en mostrar la blandura de expresión del duro metal, y lo utilicé más adelante para trabajar en piedra."

"Buena dirección / Good Direction" © Hirotoshi Itoh

"Escondiendo algo / Hiding Something" © Hirotoshi Itoh

"Cartas / Cards" © Hirotoshi Itoh

"Aunque hago diferentes trabajos con varios tipos de piedras, la mayoría de mi trabajo consiste en optimizar la forma original de las piedras. Las recojo en el lecho de un río cerca de donde vivo. Aunque lo habitual es que las piedras tengan una imagen de dureza, creo que aún así es posible expresar calidez y humor."

"Concha 1102 / Shell 1102" © Hirotoshi Itoh

"Perfil / Profile" © Hirotoshi Itoh

Su trabajo ha sido expuesto en varios países como Japón, Italia, Australia y USA.
Se puede disfrutar de su obra en su sitio web, su espacio en deviantART y también en su facebook.

"Victorinox primitiva, abierta / Victorinox Primitive, Open" © Hirotoshi Itoh

Hirotoshi Itoh is a Japanese sculptor born in Matsumoto, in the Nagano prefecture (1958).
He graduates from Tokyo National Fine Arts University in 1982 and later went into his family business as a stonemason. As he wrote:

"Bolso de piedra / Stone bag" © Hirotoshi Itoh

"Bolsas de papel sujetalibros / Paper Sac Bookend" © Hirotoshi Itoh

"I am an artist and artisan who carve sculptures in stone. I from 1979 to 1982 learned concerning the work by the metal in the Tokyo National University of Fine Arts technical course. I in my university age, feel interest in showing the expression which the hard metal in soft, and would like to utilize to also the work of the stone."

"Piedra riendo 0911 / Laughing Stone 0911" © Hirotoshi Itoh

"Envolvamos la bomba atómica / Let's Wrap the Atomic Bomb" © Hirotoshi Itoh

"Although I work with various kinds of stones, most of my work consist of optimizing a stone's original shape. I pick up these stones from a river bed in my neighborhood. While utilizing the image that a stone is hard, I think even from how on I would like to express the warmth and humour."

"Piedra rellena / Stuffed Stone" © Hirotoshi Itoh

"Piedra riendo / Laughing Stone" 2012 © Hirotoshi Itoh

"Edad del metal 2 / Metal Age 2" © Hirotoshi Itoh

His work has been exhibited in many countries as Japan, Italy, Australia and USA.
You can enjoy more of his incredible sculptures in his website, his deviantART space and also in his facebook.

"Piedra deliciosa / Delicious Stone" © Hirotoshi Itoh

"Lengüetazo / Lick" © Hirotoshi Itoh

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Hirotoshi Itoh!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Hirotoshi Itoh!)


Aquí una entrevista con el artista, desgraciadamente sólo en japonés, pero interesante para verlo trabajando.
Here an interview with the artist, unfortunately only in Japanese, but interesting to see him at work.


____________________________________________

Otro video, éste en la feria de Matsumoto de la cual Hirotoshi Itoh es director, en inglés y japonés subtitulado. Una entrevista en la cual éste creador habla sobre los artistas de la muestra y sobre su propio trabajo.

Here another video, this one in the Matsumoto fair in which Hirotoshi Itoh is the Director, in English and Japanese with English subtitles. An interview to see Hirotoshi Itoh talking about the artists on the show and his own work.


La Feria anual en Agata-no-mori, el último fin de semana de Mayo, es siempre un agradable evento con una atmósfera plácida. Es un acontecimiento familiar, ideal para los niños. Hay mucho espacio para sentarse en el césped, hacer un picnic. 
No hay revendedores, sólo artistas (más de 260 en ésta edición).

The Annual Craft Fair in Agata-no-mori on its traditional last weekend in May is always a really nice event with a pleasant atmosphere. Its a real family affair and child-friendly. There is plenty of space to sit down on the grass and have a picnic.

No resellers, only artists, over 260 in this edition.

jueves, 26 de septiembre de 2013

Robert Hardgrave [Pintura, Collage]

Me gusta la obra de éste artista por la variedad de recursos técnicos de que se vale, y en particular por la utilización de la costura en sus coloridos collages. La obra de Hardgrave, si bien cuenta con un hilo conductor estilístico definido, sorprende en cada nueva creación con elementos nuevos e inesperados.
Traducción al inglés al final del post, marcada con [*] al final de cada párrafo.

I like the work of this artist for the variety of technical resources he uses, and in particular by the use of sewing in his colorful collages. Hardgrave's work, even when it has a definite stylistic thread, have a surprise in each new creation with new and unexpected elements.
English translations at the end of this post, marked with [*] in each paragraph.

Robert Hardgrave

Robert Hardgrave en su estudio / in his studio, 2010. Foto / Photo: Christopher Nelson.

Robert Hardgrave, nacido en Oxnard (California), criado en el sur de Arizona, ha estado radicado en Seattle los últimos 20 años. Practica un tipo de dibujo a la antigua y pintura. Su fuerza está en la improvisación y disfruta empleando técnicas mixtas siempre que puede. El trabajo de Robert se ha publicado en numerosos libros de arte y revistas, además de una monografía sobre su trabajo llamada "Magic Beans (Alubias mágicas)". [1]

"Unbrand", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 68" x 72", 2011 © Robert Hardgrave

"Overbowl", acrílico e hilo sobre arpillera / acrylic and thread on burlap, aprox / about 5' x 4', 2013
 © Robert Hardgrave

Las pinturas de Robert son meditaciones sobre lo impredecible de la vida. Él dice: "A pesar de toda la información que recibimos, creo que es mucho lo que desconocemos en el momento, que la claridad sólo llega con una reflexión posterior." El trabajo de Robert se mueve en paralelo con ésta creencia. Nunca hay un plan o fórmula en sus obras, permitiendo que la imaginería se manifieste por sí misma, convirtiéndose en un ejercicio en movimiento y una dedicación al descubrimiento. Sus pinturas tratan de la excitación que produce cada momento de la vida en evolución, ya sea diminuto o enorme, y saborearlo. [2]

"Full Monty", tinta, témpera y crayon sobre papel / ink, gouache & crayon on paper, 10" x 8", 2012
 © Robert Hardgrave

"Imperativo / Imperative", collage sobre lienzo / collage on canvas, 56" x 36", 2008 © Robert Hardgrave

Según Hardgrave comenta en una entrevista a Seattle Vine, coser y hacer collages parecen ser el siguiente paso lógico para el artista. "Coser comienza como una manera de hacer collage con pinturas abandonadas. Ya he explorado el mismo proceso con montones de pinturas que se han ido acumulando, así que parece una progresión natural. Mientras tanto, el trabajo comienza a centrarse en mi padre, que falleció hace una década. Él mantuvo una práctica esporádica de la costura durante mi juventud. Lo último que recuerdo que hizo fue el vestido de bodas de mi hermana cuando yo tenía 17 años. Por aquél entonces yo no tenía mucho interés en la costura. 25 años después, nunca tengo suficiente." [3]

"Bibimbap", tinta sobre papel / ink on paper, 10" x 9", 2012 © Robert Hardgrave

"Busca y destruye / Seek & Destroy"
Acrílico e hilo sobre arpillera / acrylic and thread on burlap, 46" x 38", 2012 © Robert Hardgrave

Para crear las formas y diseños para los collages, Hardgrave medita acerca de los temas y el diseño. "Paso una gran parte de mi tiempo en el estudio haciendo dibujos y collages para generar ideas y pensar. Con una docena de dibujos avanzando a la vez, me aseguro de no quedarme estancado. Una pieza como "Seek and Destroy (Busca y destruye)" se construyó a partir de una collage Xerox consistente en bocetos de un bloc de dibujo. Para esa pieza, utilicé el collage como base y luego improvisé profundizando en la estructura. Limitar la paleta es útil cuando compaginas pinturas como piezas. Otras pinturas llegan de otras maneras. Disfruto del desafío de poner a prueba mis habilidades añadiendo otras nuevas." [4]

"Cazador de sueños / Dreamcatcher", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 64" x 64", 2010
 © Robert Hardgrave

"Long in the Tooth", collage cosido en lienzo / sewn canvas collage, 48" x 60", 2010 © Robert Hardgrave

"Cuello / Collar", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 30" x 40", 2009 © Robert Hardgrave

"Veo los patrones como ritmo. Recibimos toda nuestra información sensorial a través de ondas de luz, sonido, atmósfera, etc. En mi obra utilizo la repetición como una forma de acentuar ese hecho. Los patrones tienen la capacidad de impulsarte a buscar las sutiles diferencias entre una forma y la siguiente. He descubierto que es una forma estupenda de conectar con el observador de las pinturas, para que examinen el trabajo de cerca." [5]

"Dick", collage sobre papel / collage on paper,  24" x 18", 2013 © Robert Hardgrave

"Morsel", tinta, témpera y crayon sobre papel / ink, gouache & crayon on paper, 10" x 8", 2012
 © Robert Hardgrave

"Veinte / Twenty", tinta y acrílico sobre papel / ink and acrylic on paper, 8" x 10", 2010 
© Robert Hardgrave

"Mahjong", collage, 56" x 41", 2009 © Robert Hardgrave

"¿Cómo sería el mundo si no existiera arte alguno? No un lugar donde me gustaría vivir. El arte alimenta una necesidad de pensar las cosas de una manera fresca. El Gran Arte puede alimentarte de una forma que no podría hacerlo ninguna otra cosa. Mirar hacia atrás, a culturas que utilizaban el arte en cada parte de su estilo de vida, es algo que desearía que sucediera hoy en día. Si así lo hiciéramos, valoraríamos la vida mucho más de lo que lo hacemos. Mientas estamos todos limitados a hacer guita, perdemos de vista lo que es más importante." [6]

"Auraanónima / Auraanonymous", collage sobre lienzo / collage on canvas, 24" cuadradas / square, 2008
 © Robert Hardgrave

"Grandes expectativas / Great Expectations", tinta sobre papel / ink on paper, 41" x 30", 2011
© Robert Hardgrave

"El tema tiene que ser sobre algo que me afecte. He creado piezas sobre la relación que tengo con mi hija, el recibir un trasplante de riñón, la muerte de mi padre, etc. Trabajar de manera abierta me permite interpretar el trabajo como si fueran sueños; descifrar el contenido y desarrollar títulos puede ser gratificante. Obras más recientes en ocasiones me dicen cosas sobre piezas más viejas, revelando una especie de “serie”, sin embargo, no planeo que las obras se conviertan en series, simplemente ocurre."

"No practico ninguna otra forma de arte más allá de obras visuales de dos dimensiones. A veces tres dimensiones son necesarias para lograr algo pero eso no es lo que me interesa presentar. Últimamente he estado obsesionado con el arte del bordado, lo cual ha tomado mucho de mi tiempo; ha sido divertido y probablemente, con el tiempo, se fusione con la pintura o viceversa. Me encantaría aprender a tocar el piano." [7]

"Beso de la muerte / Kiss of Death", acrílico sobre papel / acrylic on paper, 44" x 30", 2007
© Robert Hardgrave

"Podría decir que la música es mi mayor inspiración, en particular el heavy metal y sus derivados. La música tiene que ser dinámica y agresiva para que me enganche. La forma como las bandas mezclan géneros hacen que me resulte excitante ingerir música. Intento estimular esa idea en mi propio trabajo." [8]

"Fermentado / Fermented"
Pintura bordada sobre arpillera / embroidered painting on burlap, 10" x 8", 2013 © Robert Hardgrave

"Biscuit / Galleta", acrílico y témpera sobre lienzo / acrylic and gouache on canvas, 20" x 16", 2013
 © Robert Hardgrave

Se puede disfrutar de una buena muestra cronológica del trabajo de Robert en su sitio web y en su flickr.
You can enjoy a complete chronological selection of Robert's work in his website and his flickr.

"Vanguardia / Avant Garde"
Acrílico e hilo sobre arpillera / acrylic and thread on burlap, 31.5" x 27", 2011 © Robert Hardgrave

FUENTES / SOURCES:
[1], [2] - Facebook de Robert.
[3], [4], [8] - Artículo / entrevista sobre Robert en / Article-Interview with Robert in "The Seattle Vine"
[5], [6] - De una entrevista en / From an interview in "start your novel", Feb., 2012
[7] - De una entrevista en / From an interview in "Cultura Colectiva", Oct., 2012

Imágenes publicadas con permiso del artista (¡Muchas gracias, Robert!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Robert!)


Un video perfil del artista para Seattle Channel en 2007.
A short artist profile made for the Seattle Channel in 2007.
Realizado por / Made by www.kindredmedia.com.





English translations

[1]
Robert Hardgrave, born in Oxnard, CA, raised in southern AZ, has been a Seattle resident for the past 20 years. He is in the practice of old fashioned drawing and painting. Improvisation is his strength and he enjoys employing "mixed" media whenever he can. Robert has been published in numerous artist survey books and magazines in addition to a monograph of his own work called “Magic Beans”.

[2]
Robert's paintings are meditations on the unpredictability of life. He states, "Despite all the information we are given, I believe much is unknown to us in the moment, with clarity only achieved upon later reflection." Robert's working process parallels this belief. There is never an overall plan or formula in his work, allowing the imagery to manifest itself, becoming an exercise in movement and a dedication to discovery. His paintings are about the excitement in each evolving moment in life, be it minute or grand, and savoring it.

[3]
According to Hardgrave in an interview with the Seattle Vine, sewing and collages seemed like a logical next step for the artist, “Sewing began as a way to collage with abandoned paintings. I had already been exploring the same process with the piles of drawings which had accumulated so it seemed like a natural progression. In the meantime, the work began to focus on my father who passed away a decade ago. He maintained a sporadic sewing practice throughout my youth. The last thing I remember him making was my sister’s wedding dress when I was 17. At the time I didn’t have much interest in sewing. Forward twenty-five years later, I can’t get enough.”

[4]
In order to create the shapes and designs for the collages, Hardgrave meditates on themes and designs. “I spend a large part of my time in the studio making drawings and collages to generate ideas and think. Having a dozen drawings going at a time ensures that I don’t get stuck. A piece like Seek and Destroy was built from [a] Xerox collage, consisting of sketch book drawings. For that piece, I used the collage as a basis and then improvised within the structure. Limiting the palette was useful in piecing that painting together. Other paintings come about in other ways. I enjoy the challenge of testing my skills by adding new ones,” said the artist in his interview with us.

[5]
"I see pattern as rhythm. We receive all of our sensory information via waves of light, sound, atmosphere, etc. Within my work I use repetition of form to accentuate that fact. Pattern has a way of pulling you in in order to find the subtleties in difference from one shape to the next. I have found it is a great way to connect the viewer to the paintings, to examine the work closer."

[6]
"What would the world be like if there wasn't any art? Not a place I'd want to live. Art feeds a need to think about things in a fresh manner. Great art can feed you in a way like nothing else. Looking back at cultures that used art in every part of their lifestyle, that is something I wish was happening today. If it was that way we would value living much more than we do. Since we are all tied to making a buck we lose sight of what's important."

[7]
"The work has to be about a subject I am affected by. I have made work about the relationship with my daughter, receiving a kidney transplant, shady art dealers, the death of my father, etcetera. Working with openness allows me to interpret the work as if they were dreams. Deciphering the content and developing titles can sometimes be rewarding. Later on works will sometimes tell me things about earlier works, revealing a sort of “series”. But I don’t plan work as a series. It just happens."

"I don’t practice any other forms beyond the 2 dimensional visual works. Sometimes 3 dimensions are necessary to achieve something but that is not what I am interested in presenting. Lately I have been obsessed with needlepoint work and it’s been taking up a lot of my time. It has been fun and will probably eventually work its way into the painting or vice versa. I would love to learn to play the piano."

[8]
“I would say music is my biggest inspiration, in particular metal and metal derivatives. The music has to be dynamic and aggressive for me to stay engaged. The way bands are blending genres makes it an exciting time to be ingesting music. I try to emulate that thinking into my work,”

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