miércoles, 31 de julio de 2013

Carlos Schwabe [Pintura, Ilustración]

Carlos Schwabe


Carlos Schwabe (Altona, 1866 - Avon, Seine-et-Marne, 1926) fue un pintor simbolista suizo-alemán, que se crió en Ginebra (Suiza). 
En 1890 visitó París, y un año después una de sus pinturas "Las Campanas de la Tarde", llamó la atención de Péladan, quien le encargó la tarea de diseñar el pster para el primer Salón de los Rosacruces. Éste poster, que muestra dos mujeres con largos vestidos subiendo las esclaeras que conducen al ideal, mientras que una tercera figura, sumida en el materialismo, se ve desamparada, contribuyendo significativamente al éxito de la muestra.

"Lotte, Retrato de la hija / Lotte, Portrait of the Daughter", tiza / chalk, 58 x 47 cm., 1908

"La muerte del sepulturero / The Death of the gravedigger", acuarela / watercolor, 75 x 55,5 cm., 1895
Museo del Louvre (París, Francia / France)

Aunque Schwabe expuso en uno solo de los Salones de Péladan, puso sus considerables dotes de dibujante al servicio de la literatura simbolista y compuso trabajos notables, muchos de ellos enriquecidos con acuarela, para volumenes de poesía de Baudelaire, Catulle Mendès, Albert Samain, Maurice Maeterlinck, Stéphane Mallarmé, y sobre todo "El Sueño" de Emile Zola, la única novela del ciclo Rougon-Macquart dedicada a la trascendencia.


"El ángel de la muerte / Angel of Death"
Carboncillo sobre papel montado sobre cartón / 
charcoal on paper mounted on cardboard, 75,5 x 54 cm., 1919. 
Musée d'art et d'histoire (Ginebra, Suiza / Geneve, Switzerland)

Portada e ilustraciones de "Le rêve / El Sueño" de Émile Zola. Ilustraciones de Carlos Schwabe y L. Métivet. Publicado por E. Flammarion, 1893.
Title page and illustrations of  "Le rêve / The Dream" by Émile Zola. Illustrations by  Carlos Schwabe and L. Métivet. Published by E. Flammarion, 1893.

Combinando las influencias de Durero, Hokusai y los Prerafaelitas, la meticulosidad y habilidad analítica para el dibujo otorgan un significado definitivo a cada detalle. Así las flores y plantas que dibujó del natural en diferentes etapas de su vida - brotando, floreciendo o marchitándose - aparecen como otros tantos correlativos simbólicos de la existencia humana. Atormentado por las nociones de pureza virginal y la muerte, Schwabe pintó acuarelas y óleos cuyos tonos fríos y motivos son realmente extraños. 

"La Ola / The Wave", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 196 x 116 cm., 1907. 
Musée d'art et d'histoire (Ginebra, Suiza / Geneve, Switzerland)

"La Ola / The Wave", 1906
Estudios, carboncillo, crayon negro, tiza, lápices de colores, resaltados en pastel, sobre papel Fabriano beige, montado sobre cartón /
Studies, charcoal, black crayon, chalk, color pencils, highlighted with pastel, on beige Fabriano paper mounted on cardboard.
Musée d'art et d'histoire (Ginebra, Suiza / Geneve, Switzerland)

Su obra maestra es "La muerte y el sepulturero" (1895), que representa a un ángel de la muerte con largas alas verdes como guadañas que viene a buscar a un viejo que cava una tumba. No es la única imagen en la cual Schwabe da a la muerte atributos femeninos (los de su propia esposa); está "El día de los muertos" y "La Ola" que, en retrospectiva, parece una premonición del caos de la Primera Guerra Mundial, con ese despliegue de ola de gritos en los rostros de las mujeres. Los bocetos preliminares al carboncillo para éste inquietante trabajo testimonian las excepcionales dotes gráficas de éste pintor secreto que desgraciadamente no fue capaz de renovar su arte y terminó convirtiéndose en una figura caricaturesca del artista simbolista atrapado en su propia imaginería (lirios y figuras de aspecto espiritual) que rápidamente se volvió obsoleta con el cambio de siglo.

"La Ola / The Wave", 1906
Estudios, carboncillo, crayon negro, tiza, lápices de colores, resaltados en pastel, sobre papel Fabriano beige, montado sobre cartón /
Studies, charcoal, black crayon, chalk, color pencils, highlighted with pastel, on beige Fabriano paper mounted on cardboard.
Musée d'art et d'histoire (Ginebra, Suiza / Geneve, Switzerland)

Izq. "Mujer sosteniendo una lira / Woman holding a lyre", 1905
Der. "Mujer entre las flores o El Parque / Woman among the flowers or The Park", 37 x 19 cm., 1900.
Gérard Lévy, Paris

La información biográfica está traducida de aquí, y complementada con la que aporta la ficha del artista en Wiki. Se pueden ver más trabajos de Schwabe en Wikimedia Commons y por ejemplo en el sitio web de los Museos de Arte e Historia de Ginebra.

"Estudio de desnudo / Nude Study", 32 x 23 cm., 1910.
Piccadilly Gallery (Londres, Inglaterra / London, England)

Carlos Schwabe (Altona, 1866 - Avon, Seine-et-Marne, 1926) was a Symbolist painter born in Germany and raised in Geneva, Switzerland. In 1890 he visited Paris. The following year one of his first paintings, The Evening Bells, was noticed by Péladan who entrusted him with the task of designing the poster for the first Salon de la Rose+Croix. This poster, which shows two gauzily-clad women climbing the stairs that lead to the ideal, while a third figure, mired in materialism, looks on helplessly, contributed significantly to the success of the show. 

Izq./ Left: "Portada de «Las Flores del Mal», de Charles Baudelaire, publicado en París por Charles Meunier /
Title page of "The Flowers of Evil" by Charles Baudelaire, published in Paris for Charles Meunier", 1900
Der./ Right: "Ilustración de «Las Flores del Mal», Crepúsculo / Illustration of "The Flowers of Evil", Twilight"

"Ilustración de «Las Flores del Mal», Remordimiento / Illustration of "The Flowers of Evil", Remorse"

Although Schwabe exhibited at only one of Péladan's salons, he placed his considerable gifts as a draftsman in the service of Symbolist literature and composed remarkable drawings, many of them enhanced with watercolours, for volumes of poetry by Baudelaire, Catulle Mendès, Albert Samain, Maurice Maeterlinck, Stéphane Mallarmé, and above all Emile Zola's La rêve, the only novel in the Rougon-Macquart cycle devoted to the transcendent.

"Ilustración de «Las Flores del Mal», Revuelta / Illustration of «The Flowers of Evil», Uprising"

"Ilustración de «Las Flores del Mal», Spleen e Ideal / Illustration of «The Flowers of Evil», Spleen et Idéal"

Combining the influences of Dürer, Hokusai, and the Pre-Raphaelites, Schwabe's meticulous, analytic draftsmanship lends a definite meaning to each detail. Thus the flowers and plants he drew from nature at different stages of their life - their budding, blossoming, and withering - appear as so many symbolic correlatives of human existence. Haunted by the notions of virginal purity and death, Schwabe painted watercolours and oils whose cold tones and themes are strange indeed. 

"Ilustración para "Peleas y Melisande" de Maurice Maeterlinck (acto III, escena 2) /
Illustration for "Pelléas et Mélisande" by Maurice Maeterlinck (act III, scene 2)"
acuarela y témpera sobre algunas líneas de lápiz negro, sobre papel grueso
watercolor and tempera on some lines of black pencil, on thick paper, 45,3 x 42,2 cm., 1912
Musée d'art et d'histoire (Ginebra, Suiza / Geneve, Switzerland)

Cartel para la ópera "Fervaal" (action musicale o drama lírico) en tres actos y un prólogo, con música de Vincent d'Indy
Affiche for "Fervaal", an opera (action musicale or lyric drama) in three acts with a prologue by the French composer Vincent d'Indy"

"Portada e ilustración para «Palabras de un creyente», de F. Lamennais / 
Title page and illustration for «Words of a Believer» by F. Lammenais"

His masterpiece is The Death of the Grave-Digger (1895), depicting an angel of death with long green scythe-like wings come to fetch an old man who is digging a grave. Nor is this the only picture in which Schwabe gave death a woman's features (those of his own wife); there is The Day of the Dead/Grief and The Wave, which, with hindsight, seems a premonition of the chaos of World War One, with its unfurling wave of screaming women's faces. The preliminary charcoal sketches for that disturbing work bear witness to the exceptional graphic gifts of this secretive painter who unhappily was unable to renew his art and wound up becoming a rather caricatural figure of the Symbolist artist trapped in an imagery - lilies and spiritlike figures - that was quickly outmoded after the turn of the century.

"Ilustración para «Palabras de un creyente», de F. Lamennais / 
Illustration for «Words of a Believer» by F. Lammenais"

Biographical information from here, complemented with the record of the artist in Wiki. You can enjoy more works by Schwabe in Wikimedia Commons and for example in the website of the Musée d'art et d'histoire (Geneva, Switzerland).

"El Fauno / The Faun", tiza, carboncillo, lápices de colores
Chalk, charcola, colored pencils, 115 x 146 cm., 1923.
Musée d'art et d'histoire (Ginebra, Suiza / Geneve, Switzerland)

martes, 30 de julio de 2013

Lui Liu (II) [Yang, Retratos - Pintura]

Lui Liu
刘溢


Segundo post que dedico a este fantástico artista nacido en 1957 en el norte de China y emigrado a Canadá en 1991. En esta oportunidad, pinturas de sus series "Yang" y "Retratos". Me remito al post anterior para más imágenes e información sobre su vida y obra.

"孤独者 / Aislamiento vs. Ilusión / Isolation vs. Illusion"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 121,92 x 91,44 cm., 1996 © Lui Liu

"奥菲丽娅 / Ofelia / Ophelia", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 71,12 x 55,88 cm., 1996 © Lui Liu

"Los antiguos maestros de la pintura al óleo desarrollaron sus técnicas hasta la perfección, y los maestros del arte moderno han extendido sus estilos hasta el extremo. Wittgenstein apuntaba sobre el lenguaje: "Si no intentas decir lo indecible, entonces nada se pierde. Y lo indecible se incluirá en lo que se ha dicho". Creo, en lo que refiere al mundo de las artes, que lo indecible en su mayor parte ya se ha dicho."

"En mi opinión, las fronteras que dividen el lenguaje, la ciencia, el sentido común y las artes están desapareciendo gradualmente. Veo una convergencia como consecuencia de la integración del mundo cultural, y mis trabajos son un intento de presentar a nuestros sentidos una visión del mundo integrado. Para mí este es el elemento decible aún no dicho."

 "麦迪蓝 / Madeline", óleo sobre tabla / oil on wood, 85 x 60 cm., 2009 © Lui Liu

"La modernidad se me aparece como un cubo de latón en el que todos los estilos posibles se han derramado y mezclado, y usado y abusado en busca de la auto-expresión. Un niño puede expresarse con crayones y garabatos. Pero el gran arte no puede ser pura auto-expresión; desafortunadamente es lo opuesto. Cuando una obra de arte se coloca en posición de arte superior, el pintor que le ha dado vida desaparece, como dijo T. S. Eliot: «el proceso de la creación es el proceso de eliminar constantemente el carácter personal y la individualidad de la obra»."

"Lo que queda de MI en mis pinturas es entonces la combinación de las normas y técnicas de otras personas y mi percepción psicológica de la realidad. No intento ser antiguo o moderno. Sólo podría pintar continuando una tradición y con una simple misión: pintar las interminables mitopoéticas imágenes de nuestro tiempo que nos llegan desde el pasado y avanzan hacia el futuro."

Traducción de la declaración artística de Lui Liu que puede leerse completa en su sitio web donde también hay una buena selección de sus trabajos.

"自然之母 / Madre Naturaleza / Mother Nature"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 91,44 x 76,2 cm., 1991 © Lui Liu

Second post dedicated to this fantastic Chinese artist born in 1957 in northern China and immigrated to Canada in 1991. This time paintigs of his series "Yang" and "Portraits". I refer to previous post for more images and information about his life and work.

"吉瑟拜尔 / Jezabel / Jezebhel", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 76,2 x 60,96 cm., 2006 © Lui Liu

Izq./ Left: "吻 / Un beso / A Kiss", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60,96 x 76,2 cm., 1998 © Lui Liu
Der./ Right: "乐队 / Sinfonía / Symphony", óleo sobre tabla / oil on wood, 127 x 60,96 cm., 2005 © Lui Liu

"The old masters of oil paintings have developed their techniques to perfection; and the masters of modern art have extended their styles to an extreme. Wittgenstein remarked about language: "If only you do not try to utter what is unutterable then nothing gets lost. And the unutterable will be contained in what has been uttered." I believe, when it comes to the fields of fine arts -- what is utterable has mostly been uttered."

"In my opinion, the borderlines dividing language, science, common sense and the arts are disappearing gradually. I see convergence bringing about an integrated cultural world, and my works are an attempt to present such a vision of the integrating world to our senses. For me, this is the utterable element still unuttered."

 "媞塔 / Tita", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 55,88 x 71,12 cm., 1996 © Lui Liu

"萨维塔 / Savita", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 76,2 x 60,96 cm., 2006 © Lui Liu

"理发师 / Bonito corte / Cute Cutting", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60,96 x 45,72 cm., 2000 © Lui Liu

"Modernity appears to me like a tin bucket in which every possible style has been poured and mixed and used and abused in search of self-expression. A child can express himself with crayons and doddles. But great art could not be pure self-expression; it's unfortunately the opposite. When an art piece is placed in a position of great art, it's the unselfish erasing of the painter that lets it live, as T.S.Eliot has said, «the process of creation is the process of constantly removing one's character and individuality from the work»."

"What's left of ME in my paintings then is the combination of other people's rules and technique and my psychological perception of reality. I don't try to be ancient or modern. I could only paint within the continuity of a tradition and with a simple mission: to paint the ever-lasting mythopoetic images of our time as they come out of the past and move into the future."

"96年制造 / Hecho en el 96 / Made in 96", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 76,2 x 91,44 cm., 1996 © Lui Liu

Text from Lui Liu artistic statemente you can fully read in his website where you can also find a good selection of his works.

"石榴 / Chica con granadas / Girl with Pomegranates", óleo sobre tabla, 85 x 60 cm., 2010 © Lui Liu

Lui Liu en "El Hurgador" / in this blog: [Lui Liu (Pintura)]

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Lui Liu!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Lui Liu!)


Un par de frases de Lui Liu sobre su vida y su trabajo.
A couple of sentences by Lui Liu about his life and work.



lunes, 29 de julio de 2013

Arte perdido / Lost Art (III)

Dix, Rivera y algunos retratos perdidos.
Dix, Rivera and a few lost portraits.

Otto Dix fue otro de los pintores cuyas pinturas fueron tachadas por los nazis de Arte Degenerado. Muchas de sus obras desaparecieron o fueron destruidas, por ejemplo ésta:
Textos en inglés marcados con [*] en cada párrafo.

Otto Dix was another painter whose work was labeled as Degenerate Art by the Nazis. Many of his works disappeared or were destroyed, such as this:
Texts in english at the end of this post, quoted by [*] in each paragraph.
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Otto Dix

"Kriegskrüppel / Lisiados de guerra / War Cripples"

Según podemos leer en "The Online Otto Dix Project": 
"A diferencia de otros trabajos de la muestra, éste evitó la controversia oficial, aunque culpaba claramente a los militares por destrozar toda una generación. Otras en exhibición no tuvieron tanta suerte. Los militares presentaron cargos por insultos contra varios artistas de la exposición.
Cuando Hitler llegó al poder, a Dix se le prohibió exponer su trabajo, mientras que los nazis no sufrieron restricción alguna. En 1933 ésta pintura fue incautada y expuesta en la Exposición de Arte Degenerado de los nazis. Se la tituló «Calumnia contra los héroes alemanes de la Primera Guerra Mundial»" [1a]

Primera feria Dada / First Dada Fair, Berlín, 1920.
De izquierda a derecha: Hausmann, Höch, Dr. Burchard, Baader, Herzfelde, Margarete Herzfelde, Schmallhausen, Grosz (con sombrero y bastón), Heartfield. La pintura de Dix a la izquierda.
La fotografía se la tomé prestada a Olga ("Totum Revolutum"), de su post sobre Grosz. [1b]

Desconozco el origen de ésta versión coloreada, que incluyo aquí como curiosidad.
I don't know the origin of this colorized version I include here as a curiosity.

Hay también un grabado a punta seca con el mismo motivo:
Here a dry point engraving with the same subject:

"Kriegskrüppel / Lisiados de guerra / War Cripples", grabado / engraving, 1920 © VG Bild-Kunst, Bonn 2010

Sin embargo, la obra que me interesaba incluir, y que sufrió la misma suerte que la precedente, es ésta:
However, the work that I wanted to include, and suffered the same fate as the previous one, is this:

"Der Schützengraben / La trinchera / The Trench", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 227 x 250 cm., 1920-23

"La pintura fue comprada a Karl Nierendorf para el Wallraf-Richartz-Museum en 1923, y más tarde adquirida por el Stadtmuseum and Gemäldegalerie de Dresde. Fue confiscada por los nazis en 1933 y exhibida en la Sala 3 (Inventario Nacionalsocialista Nº 16001) de la Entartete Kunst, la exposición de arte degenerado que tuvo lugar en Münich en 1937 bajo el título "Der Krieg (La guerra)". Se presume que fue destruida.
La compra de "La trinchera" por el Wallraf-Richartz-Museum causó tal protesta que forzó la dimisión de su curador Hans Secker y la devolución de la obra a Nierendorf. En 1924 fue expuesta en la muestra contra la guerra "Nie Wieder Krieg (No más guerra)". La composición y tema de "La trinchera" fue más tarde rehecha como panel central del tríptico de Dix "Der Krieg (La guerra)", que ahora se conserva en la Gemäldegalerie Neue Meister, Dresde." [2]

"Der Krieg / La guerra / The War", óleo sobre lienzo / oil on canvas
Panel central / Central panel, 204 x 204 cm., paneles izq. y der. / left and right panels, 204 x 102 cm.,
Inferior, 60 x 204 cm., 1929-32.
Gemäldegalerie Neue Meister (Dresde, Alemania / Dresden, Germany)

"Der Krieg / La guerra / The War", óleo sobre lienzo, panel central / oil on canvas, central panel

Otto Dix en "El Hurgador" / in this blog:
[Alan Derwin (Pintura)], [Aniversarios Fotografía (XCIII)], [Recolección (XXXVIII)], [Arte perdido (VIII)], [Aniversarios (CLIII)], [Pintando perros (LIII)]
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Diego Rivera

En 1931, Diego Rivera conoció a Nelson Rockefeller después que su Museo de Arte Moderno fuera abierto al público, y comenzaron a hablar sobre el proyecto para el Rockefeller Center. Rockefeller estuvo de acuerdo en co-patrocinar el proyecto. El patrocinador original para el mural era la corporación Todd-Robertson-Todd. Decidieron que el mural se instalara en el Gran Hall del Rockefeller Center. Desde esa reunión se alcanzó un acuerdo y se estableció que Rivera continuaría con su trabajo en relación con el capitalismo y el nacimiento del sistema industrial tomando el control de la economía en Estados Unidos. Tras las negociaciones iniciales, Rivera habló con los arquitectos para establecer sus limitaciones. [3]

El mural de Diego Rivera "El hombre en la encrucijada" durante su desarrollo /
Rivera's mural "Man at Crossroads" during its creation. May, 1933.
Edificio RCA / RCA Building, Rockefeller Center, Nueva York / NY. Foto / Photo: Lucienne Bloch

Detalle del mural con la imagen de Lenin / Mural detail with Lenin image

Vladímir Ilich Lenin en "El Hurgador" / in this blog[Pakistán (II)], [Arte perdido (III)], [Aniversarios (CLVIII)]

El problema principal con el mural de Rockefeller fue la representación de Vladímir Ilich Lenin. Diego fue obligado a dejar de pintar tras haber completado tan sólo un mes con el mural. El idealismo comunista de Rivera se convirtió en un gran problema legal. 

Nelson Rockefeller envió una carta a Rivera: "Me di cuenta de que en la parte más reciente de la pintura había incluido un retrato de Lenin. La pieza está muy bien pintada, pero me parece que este retrato ... podría ofender fácilmente a un gran número de personas .... Por mucho que me disgusta hacerlo, me temo que tenemos que pedirle que sustituya el rostro por el de un hombre desconocido, donde ahora aparece el rostro de Lenin." Rivera se negó, y su contrato se terminó el 9 de mayo de 1933. El mural fue cubierto rápidamente con un lienzo blanco y meses más tarde destruido, el 9 de febrero de 1934. [4a]

Izq./ LeftEl mural de Rivera cubierto / The mural covered, May, 1933
Edificio RCA / RCA Building, Rockefeller Center, Nueva York / NY. Foto / PhotoLucienne Bloch
Der./ Right: Manifestación en el Rockefeller Center en protesta por el cese de Rivera del encargo del mural, 18 de mayo de 1933 /
Demonstration at Rockefeller Center in protest of Rivera's resignation from mural commission, May 18, 1933
Foto / Photo: New York Daily News [4b]

Pocas horas después de divulgarse el cese de Rivera, una multitud se reúne a las afueras del edificio de la RCA. En los días siguientes, los Rockefeller reciben un alud de cartas de todo el país, algunos alabando el cese de Rivera, otros implorando que se le permita terminar el mural. [4c]

"El hombre, controlador del Universo / Man, Controller of the Universe"
Mural, 4.85 x 11.45 m., 1934. Palacio de Bellas Artes, Ciudad de México / Mexico City.

Una asistente de Rivera, Lucienne Bloch, había tomado fotografías del mural antes de que fuera destruído. Utilizándolas como referencia, Rivera repintó el mural, aunque en una escala más pequeña, en el Palacio de Bellas Artes de Ciudad de México.

Lucienne Bloch en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (CV)]
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Es notable el paralelismo entre éstas dos obras y la suerte que corrieron. Ambas fueron absurdamente destruidas por regímenes cuyos valores cuestionaban. Ambas fueron rehechas por sus creadores tras su destrucción y todo ésto prácticamente en los mismos años. [5]


Sutherland y Churchill

Pero la destrucción deliberada de obras no sólo es cuestión de política, sino también de estética... aún cuando en el caso siguiente ésto tiene mucho que ver con la imagen política del personaje retratado.

But the deliberate destruction of works is not just a matter of politics but also of aesthetics ... even when in the following case this has much to do with the political image of the character portrayed.

Retrato de / Portrait of Churchill por / by Graham Sutherland

En 1954, se le encargó a Graham Sutherland que pintara un retrato de cuerpo entero de Sir Winston Churchill. El dinero que se le pagó por la pintura procedía de donaciones de miembros de la Cámara de los Comunes y la Cámara de los Lores, y fue presentada a Churchill por ambas instituciones parlamentarias en una ceremonia pública en el Westminster Hall en su 80 cumpleaños, en noviembre de 1954.

Churchill odiaba el retrato. Tras su presentación pública, la pintura fue llevada a su casa de campo de Chartwell y no se expuso al público. Tras su muerte, la esposa de Churchill destruyó la obra.
Información traducida de Wiki. [6]

Winston Churchill por / by Graham Sutherland, boceto / sketch 
© National Portrait Gallery, London

Churchill era un anciano estadista en 1954, y estaba finalizando su segundo período como Primer Ministro del Reino Unido. Sutherland tenía una reputación como pintor modernista con algunos retratos exitosos recientes, como el de Somerset Maugham, en 1949. Él se sintió atraído a captar la persona real: algunos sujetos consideraron su falta de inclinación a la adulación como una forma de crueldad o menosprecio. [7]

Churchill ante su retrato recién descubierto durante su presentación en el Westminster Hall, /
Churchill at his newly discovered portrait during its presentation at Westminster Hall, 30/11/1954
[ver video más abajo / video below]

El acto de presentación en el Westminster Hall fue grabado por la BBC. En su discurso de aceptación, Churchill comentó sobre el honor sin precedentes que se le demostraba, y describió la pintura (en un comentario a menudo considerado como un cumplido ambiguo) como "un ejemplo notable de arte moderno", que combina "la fuerza con la franqueza". Otras reacciones fueron variadas, con algunos críticos que elogiaron la fuerza de su semejanza, mientras otros lo condenaron como una desgracia. [8]

Winston Churchill en "El Hurgador" / in this blog: [Yousuf Karsh (Fotografía)], [Aniversarios (XLII)]
Graham Sutherland en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (LXXXV)]
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Hay otros ejemplos de retratos destruidos por no haber sido del agrado del modelo, por ejemplo el del dramaturgo y novelista Alfred Jarry pintado por Henri Rousseau. No me consta si existen fotografías de ésta obra.
Tampoco de la que Lucian Freud realizó de Bernard Breslauer, un comerciante de libros antiguos. En la noticia, publicada por el Daily Telegraph en agosto de 2008, se puede leer que
"La pintura (...) fue finalizada hace 50 años y Freud estaba muy interesado en que se incluyera en su exposición en Londres el mes que viene.
Pero tras una larga búsqueda, Freud quedó destrozado al descubrir que la pintura había sido destruída por Breslauer quien se hizo cargo de los negocios de la familia tras la muerte de su padre cuando su piso de Bloomsbury fue destruido durante los ataques alemanes.
El Sr. Breslauer, aparentemente, objetó la forma como Freud había pintado su distintiva papada." [9]

Aunque tal vez el caso más paradigmático en cuanto a destrucción de retratos por parte de los retratados sea el del pintor estadounidense Thomas Eakins. Según podemos leer en el libro de Henry Adams:

"Casi invariablemente los retratos de Eakins fueron pobremente recibidos. Cuatro de los retratos que se le encargaron fueron rechazados. El del Presidente Rutherford Hayes fue destruido. En 1899 los colegas de Dean James W. Holland objetaron su «expresión tensa y casi demacrada» y se negaron a pagar por él. Como explicaron los hijos de Holland, Eakins «no teniendo un mercado por aquél entonces... como gesto de amistad le dimos la pintura a mi madre». En dos casos, los de Robert Ogden y Atwater Lee, los retratados acordaron pagar la factura de Eakins, pero nunca mostraron las obras; uno devolvió el retrato al estudio de Eakins.
Más a menudo, Eakins simplemente entregó los retratos que había pintado al retratado o su familia, a veces acompañados con una descripción adjunta. Muchos nunca se molestaron en recogerlos. Otros destruyeron el regalo. Eakins pintó James y George Wood, los hijos de su médico Dr. Horacito C. Wood, pero ambos retratos desaparecieron. George escribió a Goodrich: "Pintó un retrato mío que era muy "Eakinesiano", tanto que mi familia lo perdió". En 1903 Eakins entregó el retrato de su antiguo alumno Frank W. Stokes a su familia, que lo destruyó. La misma suerte corrió su retrato del boxeador Charlie McKeever, que Eakins entregó a la madre del luchador. John Singer Sargent (o su familia) perdieron o destruyeron el retrato que Eakins hizo de su amigo mutuo Dr. J. William White. De forma similar, la familia Buckley destruyó la obra de Edward S. Buckley que Eakins pintó en 1906. Su hija escribió: "Era tan poco satisfactoria que la destruimos ya que no deseábamos que los descendientes pensaran que su abuelo se parecía a ese retrato." A Mary Waldon, Superiora de la Orden de las Hermanas de la Caridad, no le gustó el retrato que le hizo Eakins y llamó a otro pintor, William Antrim, que pintó uno que le gustó más. Antrim cogió el retrato de Eakins de su bastidor y lo "tiró" en el ático de su estudio, donde al final se perdió." [10]
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Henri Rousseau en "El Hurgador / in this blog: [Aniversarios (XVII)]
Thomas Eakins en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (XXVI)]
Lucian Freud en "El Hurgador" / in this blog:

Otto Dix (Gera, Alemania, 2 de diciembre de 1891 – Singen (Hohentwiel), id, 25 de julio de 1969) fue un pintor de la Nueva Objetividad y el Expresionismo alemanes.
El trabajo pictórico de Otto Dix abarca una gran diversidad de estilos, aunque el gran público conoce, principalmente, sus pinturas sobre la guerra. Dibujante excepcional, Otto Dix nos ha dejado 500 bocetos y diversos retratos, además de lienzos y acuarelas, que, sin duda alguna, evocan la época renacentista. Y es que Dix es, en efecto, uno de los grandes pintores alemanes del siglo XX. La mayor parte de su obra se halla expuesta en el Museo de Arte de Stuttgart. Información de Wiki. In english here.

Graham Vivian Sutherland (Londres, 24 de agosto de 1903 – íd., 17 de febrero de 1980) fue un artista británico nacido en Streatham, Londres. Estudió en Epsom College, Surrey y en el Goldsmith's College de la Universidad de Londres desde 1921 hasta 1926. 
No empezó a pintar en serio hasta que tenía treinta y tantos años, después de la caída del mercado del grabado, al que se había dedicado. Sus obras son principalmente paisajes, que muestran una afinidad con la obra de Paul Nash. Sutherland se centra en la inherente extrañeza de las formas naturales, y abstraerlas, a veces dando a su obra una apariencia surrealista; en 1936 expuso en la Exposición Surrealista Internacional de Londres.
Desde 1940 Sutherland fue contratado como artista oficial en la Segunda Guerra Mundial como parte del proyecto de artistas de guerra. Trabajó en el frente doméstico, representando las minas, la industria, y los daños de los bombardeos.
Se convirtió al catolismo en 1926, y desde alrededor de 1950, hasta su muerte estuvo profundamente implicado en la religión. Después de la guerra produjo varias obras religiosas, incluyendo una Crucifixión (1946) para la iglesia de san Mateo, Northampton y el tapiz Cristo en la gloria (1962) para la catedral de Coventry. También siguió produciendo obras basadas en formas naturales, y consiguió fundir parte de ellas -como por ejemplo las espinas- en su obra religiosa. Desde 1947 hasta los años 1960 su obra se inspiró en el sur de Francia, y adquirió una villa en Menton en 1955. Información de Wiki. In english here.
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FUENTES / SOURCES:
[1] - Ficha de la obra en / Artwork record in The Online Otto Dix Project.
[2] - Texto que acompaña una imagen de la obra en / Text with an image of the artwork in flickr.
[3], [4] - De un artículo sobre el mural en el sitio web de / From an article about the mural in the website of University of Michigan.
[4b], [4c] - Cronología de Diego Rivera / Diego Rivera Chronology, MoMA website.
[6], [7], [8] - Versión en inglés de / English version of Wiki.
[9] - Artículo publicado en / Article published in The Daily Telegraph, 26 Aug 2008
[11] - Traducido de la versión online en google books de / From the online version in google books of "Eakins Revealed: The Secret Life of an American Artist (Eakins revelado: La vida secreta de un artista estadounidense"


El video de la presentación del retrato con los comentarios de Churchill.
The presentation of the portrait with Churchill's speech.



Traducción en inglés / English translation

[1a]
As we can read in "The Online Otto Dix Project":
Unlike many works on display, this one avoided official controversy although it clearly blamed the military for butchering a generation. Others on display were not as fortunate. The military filed charges of insult against several artists at the exhibition. 
When Hitler rose to power, Dix was forbidden to exhibit his work but Nazis were under no such restriction. In 1933, this painting was siezed and displayed in the Nazi's Degenerate Art exhibition. It was captioned, "Slander against the German Heroes of the World War." 

[1b]
First Dada Fair in Berlin, 1920
From left to right: Hausmann, Höch, Dr. Burchard, Baader, Herzfelde, Margarete Herzfelde, Schmallhausen, Grosz (with hat and cane), Heartfield.
Photograph form Olga's "Totum Revolutum" blog, in her post about Grosz.

[2]
The painting was purchased from Karl Nierendorf by the Wallraf-Richartz-Museum in 1923, and later acquired by the Stadtmuseum and Gemäldegalerie, Dresden. It was confiscated by Nazis in 1933, and exhibited in Room 3 (National Socialist inventory number 16001) of the Entartete Kunst exhibition of degenerate art held in Munich in 1937 under the title Der Krieg (The War). It is presumed to have been destroyed.
The purchase of The Trench by the Wallraf-Richartz-Museum caused such an outcry that it forced the resignation of the museum's curator Hans Secker, and the return of the painting to Nierendorf. In 1924 it was exhibited in the anti-war exhibition, Nie Wieder Krieg (No More War). The composition and theme of The Trench would later be reworked as the central panel of Dix's triptych, Die Krieg (The War), now in the Gemäldegalerie Neue Meister, Dresden.

[3]
In 1931, Diego Rivera met Nelson Rockefeller after his Museum of Modern Art opened to the public and began talking about a prospective project for the Rockefeller Center. Rockefeller agreed to be a co-sponsor for the project.
The true benefactor of the mural was the Todd-Robertson-Todd Corporation. They decided to place the mural in the “Great Hall” of the Rockefeller Center. From that meeting they reached an agreement and Rivera was set to continue his work regarding capitalism and the rising industrial system taking control of the economy in America. After initial negotiations, Rivera then talked to the architects to establish his limitations.


[4a]
The main problem with the Rockefeller mural was the depiction of Vladimir Ilych Lenin. Diego was forced to stop painting, after only working a complete month on the mural. Rivera’s communist idealism came to be a very huge legal problem.
Nelson Rockefeller sent a letter to Rivera: “I noticed that in the most recent portion of the painting you had included a portrait of Lenin. The piece is beautifully painted, but it seems to me that this portrait…might very easily offend a great many people…. As much as I dislike to do so, I am afraid we must ask you to substitute the face of some unknown man where Lenin’s face now appears.” Rivera refused, and his contract was terminated on May 9, 1933. The mural was quickly covered with a white canvas. Months later the Rockefellers had the mural hammered off the walls on February 9, 1934.


[4b]
Left. Rivera's Man at the Crossroads covered with canvas. May 1933. RCA building, Rockefeller Center, New York. Photograph by Lucienne Bloch
Right. Demonstration at Rockefeller Center in protest of Rivera's dismissal from the mural commission. May 18, 1933. Photograph by New York Daily News


[4c]
Within hours of learning about Rivera's cease-to-work order, a crowd of protesters gathers outside the RCA building. In coming days, the Rockefellers receive a flood of letters from across the country, some commending Rivera's dismissal, others pleading that he be allowed to finish the mural. 


[5]
An assistant, Lucienne Bloch, had taken photographs of the mural before it was destroyed. Using them as a reference, Rivera repainted the mural, though at a smaller scale, at the Palacio de Bellas Artes in Mexico City where it was renamed Man, Controller of the Universe.
______________________________________
There are remarkable parallels between these two works and fate. Both were absurdly destroyed by regimes whose values ​​questioned. Both were rebuilt by its creators after all this destruction and almost in the same years.


[6]
In 1954, Graham Sutherland was commissioned to paint a full-length portrait of Sir Winston Churchill. The 1,000 guineas fee for the painting was funded by donations from members of the House of Commons and House of Lords, and was presented to Churchill by both Houses of Parliament at a public ceremony in Westminster Hall on his 80th birthday on 30 November 1954.
Churchill hated the portrait. After the public presentation, the painting was taken to his country home at Chartwell but was not put on display. After the death of Lady Churchill in 1977, it became clear that she had destroyed the painting some months after it was delivered.


[7]
Churchill was an elder statesman in 1954, then towards the end of his second period as Prime Minister of the United Kingdom. Sutherland had a reputation as a modernist painter with some recent successful portraits, such as Somerset Maugham in 1949. He was drawn to capturing the real person: some sitters considered his disinclination to flattery as a form of cruelty or disparagement.

[8]
The presentation ceremony at Westminster Hall was recorded by the BBC. In his acceptance speech, Churchill remarked on the unprecedented honour shown to him, and described the painting (in a remark often considered a backhanded compliment) as "a remarkable example of modern art", combining "force with candour". Other reactions were mixed, with some critics praising the strength of its likeness, but others condemned it as a disgrace.

[9]
There are more examples of portraits destroyed by the sitters who disliked it, for example the portrait of French playwright Alfred Jarry painted by Henri Rousseau. I am not aware if there are photographs of this work.
Neither of the portrait Lucian Freud made of Bernard Breslauer, a dealer in antique books. In the news, published by the Daily Telegraph in August 2008, we read that
"The painting of Bernard Breslauer, a millionaire antiquarian book dealer, was finished more than 50 years ago and Freud was anxious for it to be included in the exhibition in London next month.
But after a long search Freud was devastated to discovered that the painting had been destroyed by Breslauer who took over the family business after his father died when their Bloomsbury flat was destroyed in the Blitz.
Mr Breslauer, apparently, objected to the way Freud had painted his distinctive double chin."

[10]
Although perhaps the best example in terms of destruction of portraits is the case of the American painter Thomas Eakins. As we read in the book of Henry Adams:

"Almost invariably, Eakins's portraits were poorly received. Four of Eakins's commisioned portraits were rejected. That of the President Rutherford Hayes were destroyed. In 1899 the colleagues of Dean James W. Holland objected to the dean's "tense almos haggard expression" and refused to pay for it. As Holland's son explained, Eakins, "having no general market at that time... as a friendly gesture gave the picture to my mother". In two cases, those of Robert Ogden and Atwater Lee, the sitters agreed to pay Eakins's fee, but never diplayed them; one returned the portrait to Eakins's studio.

Most often, Eakins would simply give the portraits he had painted to the sitter or the sitter's family, often with an accompanying inscription. Many never bothered to pick up their portraits. Others destroyed the gift. Eakins painted both James and George Wood, the sons of his physician Dr. Horatio C. Wood, but both portraits have disappeared. George wrote to Goodrich: "He painted a portrait of me was quite 'Eakineeze', so much so that my family got it lost". In 1903 Eakins gave a portrait of his former pupil, Frank W. Stokes, to his family, who destroyed it. The same fate met his portrait of the pugilist Charlie McKeever, which Eakins gave to the fighter's mother. John Singer Sargent (or his family) misplaced or destroyed the portrait that Eakins gave him of their mutual friend Dr. J. William White. Similary, the Buckley family destroyed the painting of Edward S. Buckley that Eakins painted in 1906. His daughter wrote: "It was so unsatisfactory that we destroyed it not wishing his descendants to think of their grandfather as resemblign such a portrait." Mary Waldon, the Superior of the Order of the Sisters of Mercy, did not like her portrait by Eakins and called in another painter, William Antrim, to paint one that was more pleasing. Antrim took the Eakins portrait off its stretcher and "tossed" in into the attic of his studio, where it was subsequently lost."

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