miércoles, 25 de abril de 2018

Michael Bergt [Pintura / Painting]

Michael Bergt


Michael Bergt es un artista estadounidense nacido en 1956 en Deshler, Nebraska.
Con una carrera de más de treinta años, la obra figurativa de Bergt retoma y reinterpreta elementos clave de la mitología occidental, el arte renacentista y la iconografía cristiana en clave contemporánea. Imágenes tan recurrentes y familiares como Leda y el cisne, el minotauro y Europa pueblan sus lienzos y reviven tratando temas tan actuales como las cuestiones de género y la sexualidad.
Michael se vale de diversos medios tales como el temple al huevo, el lápiz de color, las tintas e incluso la escultura para desarrollar un cuerpo de obra amplio y consistente.
Dedicaré un par de posts a repasar su obra. En este primero, obras creadas básicamente con temple al huevo, dibujos y pinturas con lápiz de color.

"Estiramiento / A Reach"
Temple al huevo sobre panel / egg tempera on panel, 74,9 × 105,4 cm

"Burlado / Mocked"
Temple al huevo sobre panel / egg tempera on panel, 69,9 × 55,9 cm., 2010

«He sido muy afortunado. Tuve mi primera muestra en San Francisco cuando tenía 24 años. Se vendió todo, y ya nunca volví a mirar atrás. Y eso es raro. Nací en una pequeña comunidad agrícola, y de dónde salieron esas ideas, no tengo ni idea. Pero siempre dibujaba desde que era pequeño, y la gente me preguntaba: "¿Qué quieres hacer cuando seas grande?". Y yo decía: "Voy a ser un artista". Sabes, eres bastante a menudo demasiado ingenuo para saber que [algo] es imposible, y ese tipo de cosas te mantiene en esa línea. Porque si alguien hubiera dicho: "No, eso es imposible, no puedes hacer esto", entonces habría hecho otra cosa. Pero obviamente no caí en ese patrón.»

"A partir de Picasso / After Picasso"
Temple al huevo sobre panel / egg tempera on panel, 35,6 × 45,7 cm., 2017

"A partir de Picasso / After Picasso"
Carboncillo y aguada sobre papel tonal / charcoal, gouache on toned paper, 11" x 15", 2017

«Debido a que gran parte de mi trabajo se deriva de los clásicos, la gente lo ve y automáticamente piensa que no tengo ningún interés en el arte contemporáneo, que solo me interesan el Renacimiento, la mitología o la iconografía cristiana. Si bien estoy interesado en todo eso, lo veo todo en términos de su referencia al día de hoy, porque no puede obviarse el hecho de que estamos viviendo hoy, y ya estamos influenciados por el hecho de que sabemos tanto más acerca de la psicología y el subconsciente, los movimientos artísticos, la comunicación, y todos estamos conectados con el mundo, tenemos Google, podemos obtener información. Todo eso modifica el cómo entiendes esta información. Creo que lo que quiero decir más que nada es que no me parece irrelevante el uso de estas técnicas o iconografía antiguas para abordar algo que es muy contemporáneo. Creo que eso lo hace igual de relevante, o más, porque está incluyendo una gran variedad de historia en lugar de decir, por ejemplo, "Solo puedo usar expresionismo abstracto para decir algo sobre cómo percibimos el mundo, o cómo entender el color y la luz." Creo que eso se convierte en una inquietud muy formalista, pero reduce el ancho de banda.»

"La ola / The Wave"
Lápiz de color y aguada sobre papel tonal / color pencil & gouache on toned paper, 14,5" x 21,5" 2011

"Amanda"
Temple al huevo y pan de oro sobre panel / egg tempera & gold leaf on panel, 39,4 × 34,3 cm.

"La gran ola / The Great Wave"
Lápiz de color y aguada sobre papel tonal / color pencil & gouache on toned paper, 14,5" x 22", 2013

«Siempre me ha fascinado la figura bellamente representada y los diseños y la decoración. En mi nueva obra me enfoco en estos dos intereses: mis estudios de figuras tienen un contexto dentro de los diseños encontrados en grabados eróticos japonesas de "Shunga", miniaturas persas y las tradiciones de patrones del arte oriental: realismo y patrón / estética oriental y occidental.
La historia del arte puede verse como un intento de equilibrar estas dos intenciones: crear la ilusión de tres dimensiones o enfocarse más en una calidad interpretativa y abstracta, mejorando así el diseño y la decoración. Esto refleja el contraste entre una visión literal y simbólica del mundo, confirmando lo que percibimos, en contraste con lo que sentimos sobre lo que percibimos.
Cuando incluyes una narrativa, la dinámica se vuelve aún mayor. ¿Cuál es el significado de lo que estamos haciendo, cómo se ve y qué patrón crea? Si relajamos la necesidad de separar lo que es real de lo imaginario, se convierte simplemente en una relación y, por lo tanto, gana poder. Esas relaciones son las potencialidades con las que construimos nuestra cultura, nuestro sentido del yo y nuestra identidad. El tiempo y el espacio están en juego, y "jugar" es la palabra clave para lo que estoy haciendo.»

"Retenida / Held"
Temple al huevo y pan de oro sobre panel / egg tempera & gold leaf on panel, 19,5" x 12,5"

Michael vivó un tiempo en España. Acerca de esa experiencia dijo:
«... lo que España me dio fue una experiencia cultural diferente. Me llevó a Europa y a vivir con un idioma diferente, una historia diferente. Además, el resto de Europa está disponible una vez que estás allí: en un par de horas puedes conducir o volar para visitar cualquier lugar. Un par de veces al año salíamos a visitar Francia, conducir por España y visitar Marruecos. Fue una gran experiencia cultural. (...)
Solía llamarlo mis años de "rellenado", porque mientras estuve allí, salía todos los días y hacía acuarelas en lugares, estudiando todo: paisaje, interiores y personas. Estaba llenando mi reserva de imágenes, los efectos de la luz, la técnica. Después de eso, tenía todo un caché de información listo.»

"Andrómeda"
Lápiz de color y aguada sobre papel tonal / color pencil & gouache on toned paper, 42 x 36, 2014

"Observando / Looking Over", carboncillo, lápiz de color y aguada sobre papel tonal /
charcoal, color pencil & gouache on toned paper, 22" x 18"

«Hago esculturas, dibujos, pinturas, hago muchas cosas en términos de artes visuales y en cualquier cosa que me permita explorar a fondo. Podría haber pasado toda una carrera siendo sólo escultor, y hay veces que miro la escultura y pienso: "Dios, eso hubiera sido divertido", pero a veces me gusta pintar. Voy a seguir pintando. De otra forma, cambia con el tiempo cuando te das cuenta de que no eres un esclavo del trabajo, el trabajo es tu esclavo, en términos de dónde creces o qué está sucediendo para ti. Y a medida que evolucionas, la obra que surge de auí es un reflejo de quién eres, en lugar de lo que persigues con tu trabajo. (...)
Creo que toma tiempo llegar a esa conclusión, simplemente porque cuando eres joven estás muy ocupado intentando aprender tu oficio: te estás enfocando en mejorarlo, viendo cómo te enfrentas a otras personas. Entonces quedas atrapado en todo el aspecto comercial de encajar en una galería, hacer ventas, no hacer ventas.
En un cierto punto hay esta epifanía, ya sabes, lo que hace que, se produzcan o no las ventas, realmente sucedió algo en ti que se transfirió a la obra, y luego todos lo sintieron en ella. Así que cuando me he quedado atascado es cuando he perseguido la obra, y no me he mantenido fiel a lo que estaba sucediendo en mí que generó esa obra, y entonces es cuando empiezo a darme cuenta, "Oh, tengo que invertir esta ecuación, es la ecuación que está mal." Lo ves en las carreras de los artistas todo el tiempo, donde te das cuenta de que en cierto punto todo lo que están haciendo son réplicas de ellos mismos, están como haciendo la misma cosa una y otra vez, porque eso es lo que está funcionando.»

"Soñadora / Dreamer", lápiz de color sobre panel / color pencil on panel, 45,7 × 53,3 cm.

"El sueño (estudio) / The Dream (Study), 1997 
Lápiz de color sobre papel gris / colored pencil on gray paper, 19 1/4" x 23 1/4"


Michael Bergt is an American artist born in 1956 in Deshler, Nebraska.
With a career of more than thirty years, Bergt's figurative work takes up and reinterprets key elements of Western mythology, Renaissance art and Christian iconography in a  contemporary key. Images as recurrent and familiar as Leda and the swan, the minotaur and Europe populate his canvases and revive, dealing with presenting topics such as gender and sexuality.
Michael uses several media and techniques such as egg tempera, colored pencil, inks and even sculpture to develop a broad and consistent body of work.
I will dedicate a couple of posts to review his work. In this first one, works created basically with egg tempera, drawings and paintings with color pencil.

"Imaginación / Imagination"
Temple al huevo sobre panel / egg tempera on panel, 71,1 × 88,9 cm.

"Janus", lápiz de color y aguada sobre papel tonal /
color pencil and gouache on toned paper, 45,7 × 35,6 cm., 2017

«I’ve been very fortunate. I had my first show in San Francisco when I was 24 years old. That show sold out, and I never looked back from there. And that’s rare. I was born in a small farming community, and where I got the idea, I have no clue. But I was always drawing since I was little, and people would ask, “What do you want to do when you grow up?” And I said, “I’m going to be an artist.” You know, you’re quite often too naive to know [something] is impossible, and that sort of keeps you in that line. Because if anyone had said, “No that’s impossible, you can’t do this,” then I would have done something else. But obviously I didn’t fall in that pattern.»

"Leda y cisne (estudio) / Leda and Swan (Study)", tinta sobre papel / ink on paper, 19" x 22"

"Leda y cisne / Leda and Swan", temple al huevo sobre panel de icono, con oro 23 kt./
egg tempera on icon panel with 23kt gold, 20" x 20", 2015.

«Because so much of my work is so classically derived, people see it and automatically think I have no interest in contemporary art, that I’m only interested in the Renaissance, mythology, or Christian iconography. While I am interested in all of that, I see it all in terms of its reference to today, because you can’t help the fact that we’re living today, and we’re already influenced by the fact that we know so much more about psychology and the subconscious, art movements, communication, and we’re all plugged in with the world, we have Google, we can get information. All of that modifies how you understand any of this information. I guess what I want to say more than anything is that I don’t see anything irrelevant about using these ancient techniques or iconography to address something that is very contemporary. I think that makes it just as relevant, or more so, because you’re including a bigger array of history instead of saying, for instance, “I can only use Abstract Expressionism to say something about how we perceive the world, or how we understand color and light.” I think that that becomes a very formalistic concern, but it narrows the bandwidth.»

"El nudo / The Knot", lápiz de color y aguada sobre papel / 
color pencil & gouache on paper, 55,2 × 44,5 cm.

"Mirada / Stare", temple al huevo sobre panel / egg tempera on panel, 74,9 × 59,7 cm.

«I've always been fascinated with the figure beautifully rendered and by pattern and decoration. In my new work, I focus on these two interests: my figure studies are given a context within the designs found in erotic Japanese "Shunga" prints, Persian miniatures and the pattern traditions of Eastern Art: realism and pattern/Eastern and Western aesthetics.
The history of art can be seen as an attempt to balance these two intentions: to create the illusion of three dimensions, or focus more on an interpretive, abstract quality, thereby enhancing pattern and decoration. This reflects the contrast between a literal and symbolic view of the world—confirming what we perceive—contrasted with what we feel about what we perceive.
When you include a narrative, the dynamic becomes even greater. What is the meaning of what we're doing, how does it look, and what pattern does it create? If we relax the need to separate what is real from what is imagined it becomes simply a relationship, and thus gains power. Those relationships are the potentialities from which we construct our culture, our sense of self, and our identity. Time and space are in play, and "play" is the operative word for what I'm doing.»

"Balance de poder / Balance of Power"
Temple al huevo y acrílico sobre panel / egg tempera and acrylic on panel, 121,9 × 76,2 cm., 2017

Michael was living in Spain for some time. About that experience he told:
«...what Spain gave me was a different cultural experience. It got me to Europe and to live with a different language, different history. Also, the rest of Europe is so available once you’re there: within a couple hours you can drive or fly to visit anywhere. A couple of times a year we would just head out and visit France, drive around Spain, visit Morocco. It was a great cultural experience. (...)
I used to call it my “backfill” years, because while I was there, I would go out every day and do watercolors on locations, studying everything: landscape, interiors, and people. I was filling my reservoir of imagery, the effects of light, technique. After that, I had this whole cache of information all ready.»

"Escondite / Hide and Seek", temple al huevo sobre panel / egg tempera on panel, 18" x 24", 2004

"Mitologías / Mythologies", pluma de color, aguada / color pen, gouache, 28" x 23,5"

«I do sculpture, drawings, paintings, I do a lot of things in terms of visual arts, and any one of those I could mine deeper. I could have spent a whole career just being a sculptor, and there are times I look at sculpture and I think, “God that would have been fun,” but there are times that I really like painting. I’m going to continue painting. In another way it kind of shifts over time when you realize that you aren’t a slave to the work, the work is a slave to you, in terms of where you’re growing or what’s happening for you. And as you evolve, the work that comes out of that is a reflection of who you are rather than you chasing your work.  (...)
I think it takes time to come to that realization, simply because when you’re young, you’re so busy trying to learn your craft: you’re focusing on improving your craft, seeing how you stand up to other people. Then you get caught up in the whole commercial aspect of fitting in a gallery, making sales, not making sales.
At a certain point there’s this epiphany, you know, that what makes sales happen or not is when you actually had something happen in yourself that got transferred to the work, and then everyone felt it in the work. So every time I’ve got stuck is when I chased the work, and I didn’t stay true to what was going on in me that created that work, and then that’s when I begin to realize, “Oh, I’ve gotta flip this equation, it’s the equation that’s wrong.” You see it in artists’ careers all the time, where you realize that at a certain point all they are doing are replications of themselves, they’re just sort of doing the same thing over and over and over, because that’s all that’s working.»

"Protector", lápiz de color y aguada sobre papel tonal / 
color pencil & gouache on toned paper, 67,3 × 58,4 cm., 2017

"Sagrado / Sacred"
Lápiz de color y aguada sobre papel tonal / color pencil & gouache on toned paper, 14,5" x 22", 2014
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Fuentes / Sources:
* Website
* Entrevista, 3 preguntas de / Interview, Three questions by Lauren Thompson, Santa Fe Reporter, 7/2017
* Visita al estudio de M.B. / Studio Visit M.B., por / by Lauren Tresp & Clayton Porter
The Magazine Santa Fe, 12/2017

Más sobre / More about Michael Bergt: Website, facebook, Nüart Gallery

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Michael!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Michael!)



Visita al estudio / Studio Tour, 1/2016
Artisan/Santa Fe Santa Fe store

En este vídeo (en inglés) podemos ver el estudio de Michael, mientras comenta los contenidos de uno de sus talleres de pintura. /
In this video we can see Michael's study, while commenting on the contents of one of his painting workshops.



lunes, 23 de abril de 2018

Rinocerontes / Rhinos (XC)

Rinocerontes chinos / Chinese Rhinos

"Vasija ritual / Ritual Vessel", bronce / bronze, 22,8 x 22,8 x 32,8 cm., prob. 1100-1050 A.C. / BC
China
Asian Art Museum (San Francisco, California, EE.UU./ CA, USA)

Única obra de bronce en forma de rinoceronte hecha durante la dinastía Shang, este recipiente es el objeto más famoso en la colección del Museo de Arte Asiático y uno de los bronces chinos más famosos del mundo.
El rinoceronte ejemplifica un tipo de objeto lujoso que corresponde a los aristócratas en la Edad del Bronce chino (2000-220 a. De C.). Esta vasija, originalmente con una tapa que ahora falta, probablemente funcionaba como un recipiente para el alcohol, que se ofrecía como sacrificio a los dioses o antepasados en rituales que incorporaban antiguas creencias religiosas y filosóficas chinas.
La representación realista de la piel y el cuerpo del rinoceronte la distingue de otras vasijas con forma de animal del mismo período, que tienen motivos geométricos densos. Presenta un vientre y hocico redondos, ojos animados y pliegues de piel alrededor de la cabeza y los hombros, creando un efecto de animación y energía dinámica.


The only bronze work in the form of a rhinoceros made during the Shang dynasty, this vessel is the most famous object in the Asian Art Museum’s collection and among the most celebrated ancient Chinese bronzes in the world. 
The rhinoceros exemplifies a type of luxurious object befitting aristocrats in the Chinese Bronze Age (2000– 220 bce). This vessel, originally with a now-missing lid, likely functioned as a container for alcohol, offered as a sacrifice to the gods or ancestors at rituals that incorporated ancient Chinese religious and philosophical beliefs. 
The rhinoceros’s flesh-like representation distinguishes it from other animal-shaped vessels of the same period, which have dense geometric motifs. It features a round belly and muzzle, animated eyes, and life-like folds of skin around its head and shoulders, creating an effect of dynamic energy and animation.

"Vasija ritual / Ritual Vessel" (detalle / detail)
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"Rinoceronte / Rhinoceros", jade negro con pátina / dark jade with patina, 15 x 9 cm., 1.150 g.
Posiblemente Dinastía Shang: 1600 a 1046 A.C. ó Dinastía Zhou: 1111 a 225 A.C. /
Possible attributions: Shang dynasty: 1600 BC to 1046 BC or Zhou dynasty: 1111BC to 255 BC. Liveauctioneers

"Rinoceronte / Rhinoceros", jade negro con pátina / dark jade with patina

"Rinoceronte / Rhinoceros", jade negro con pátina / dark jade with patina

"Rinoceronte / Rhinoceros", jade negro con pátina / dark jade with patina
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"Rinoceronte / Rhino", bronce, hecho a mano / bronze, handmade

"Rinoceronte / Rhino", bronce, hecho a mano / bronze, handmade

"Rinoceronte / Rhino", bronce, hecho a mano (detalle) / bronze, handmade (detail)
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"Rinoceronte / Rhino", piedra negra / black stone, 5 x 10 cm.
Período de los reinos combatientes. 476 - 221 A.C. /
Zhou warring state period, 476 BC - 221 BC. Real Rare Antiques

"Rinoceronte / Rhino", piedra negra / black stone
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Rembrandt Bugatti

"Rinoceronte de Java / Javan Rhinoceros"
Bronce con pátina negra / bronze black patina, 14 x 21 cm., 1907-08.
Producido en Fundición Hébrard / Produced at Hébrard Foundry (París, Francia / FranceSladmore

Rembrandt Bugatti fue un escultor italiano nacido en 1884, conocido principalmente por sus esculturas de bronce de animales salvajes. Murió en 1916. Más imágenes e información en este post.

"Rinoceronte de Java Grande / Large Javan Rhinoceros"
Bronce con pátina marrón con matices marrón oscuro / bronze brown patina with dark brown undertones, 27 x 42 cm., c.1907-08.
Producido en Fundición Hébrard / Produced at Hébrard Foundry (París, Francia / FranceSladmore

"Rinoceronte de tres años / Three Year Old Rhinoceros"
pátina marrón cálido con matices dorados / warm brown patina with golden undertones, 27 x 42 cm., 1909-10
Producido en Fundición Hébrard / Produced at Hébrard Foundry (París, Francia / FranceSladmore

Rembrandt Bugatti, Italian sculptor born in 1884, known primarily for his bronze sculptures of wildlife subjects. He died in 1916. More images and information in this post.

"Rinoceronte de tres años / Three Year Old Rhinoceros"

"Rinoceronte de tres años / Three Year Old Rhinoceros". Alte Nationalgalerie

Rembrandt Bugatti en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (XXXIX)]
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James Lippitt Clark

"Rinoceronte blanco africano / African White Rhinoceros", bronce / bronze, 1927. 1stdibs

James Lippitt Clark fue un distinguido explorador, escultor y científico estadounidense nacido en 1883 en Providence, Rhode Island.
Después de sus estudios en la Escuela de Diseño de Rhode Island y su formación en Gorham Silver Company, trabajó en el Museo Estadounidense de Historia Natural en Nueva York. En 1908 pasó un tiempo estudiando la vida silvestre en Wyoming, y luego viajó a África con Arthur Radclyffe Dugmore para tomar fotografías para Collier's Weekly. En este viaje Clark produjo la "primera película en la que se registró la vida salvaje africana". Trajo especímenes para cazadores como Theodore Roosevelt y para museos estadounidenses. Regresó regularmente a África y también viajó a Asia para recolectar especímenes zoológicos. Clark era miembro de la Sociedad Nacional de Escultura, la Sociedad Zoológica de Nueva York, y la American Geographical Society.
Murió en 1969.

"Rinoceronte africano / African Rhinoceros", bronce patinado / patinated bronze, 8,8 x 5 x 5 cm., c.1908. Artnet

"Humidificador para tabaco hecho con una pata de rinoceronte, montado en bronce /
Bronze-Mounted Rhinoceros Foot Humidor". Altura total / height overall: 10 ½"

En la tradición victoriana de curiosidades naturales y trofeos montados como artículos funcionales para el hogar, esta taxidermia de una pata de rinoceronte se configura como un humidificador. Equipado con un collar de cobre martillado, forro y cubierta, contiene un forro de vidrio extraíble para el almacenamiento de cigarros y una tapa de cobre. El remate de bronce diseñado en forma de rinoceronte está firmado por J.L.Clark.

Rinoceronte del remate / Rhino finial: bronce / bronze, altura / height 3 ¼”, 1913. Bonhams

In the Victorian tradition of natural curios and trophies mounted as functional household items this taxidermy foot of a rhino is fashioned as a humidor. Fitted with a hammered copper collar, lining and cover, it contains a removable glass liner for storage of cigars and a copper lid to the interior. The bronze finial designed in the form of a rhino is signed by J.L.Clark

"Rinoceronte a la carga / Charging Rhino"
bronce con pátina marrón / bronze with brown patina, altura / high: 43,2 cm., 1949. Christie's

James Lippitt Clark was a distinguished American explorer, sculptor and scientist born in 1883 in Providence, Rhode Island.
Following his studies at the Rhode Island School of Design and his training at the Gorham Silver Company, he worked at the American Museum of Natural History in New York. In 1908, he spent time studying wildlife in Wyoming, and then traveled to Africa with Arthur Radclyffe Dugmore to take photographs for Collier's Weekly. On this trip Clark produced the "first film to record African wildlife." He brought back specimens for hunters like Theodore Roosevelt and for American museums. He returned regularly to Africa and also traveled to Asia to collect zoological specimens. Clark was a member of the National Sculpture Society, the New York Zoological Society, and the American Geographical Society.
He died in 1969.
"Rinoceronte negro africano con picabueyes / African Black Rhino with Tick Birds"
Bronce con pátina marrón / bronze with brown patina, 28,75" x 39" x 18,5", 1912. Leland Little
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Giuseppe Tirelli

Bronce / bronze (?)

Giuseppe Tirelli nació en Tanzania en 1957. Vive y trabaja en Piacenza, donde asistió al Instituto de Bellas Artes "Gazzola" a finales de los años '80.
El artista comenzó su viaje artístico a través de una investigación muy personal que combina las características de la escultura clásica con las atmósferas contemporáneas proyectadas en un futuro cibernético.
El gran crítico de arte Edward Lucie-Smith ha colocado a Tirelli entre los artistas de la "escultura neofigurativa italiana".
Tirelli trabaja con importantes galerías de arte y sus esculturas son apreciadas también en el extranjero: muchas de ellas han sido compradas por coleccionistas que viven en India, Brasil, Estados Unidos, Rusia y Australia.

"Cavalcata Africana / Cabalgata africana / African Horseback"
Bronce / bronze, 37 x 56 x 18 cm., 2004

Giuseppe tirelli was born in Tanzania in 1957. He lives and works in Piacenza where he attended the Institute of Fine Art “Gazzola” in the late  80’s.
The artist started his artistic journey through a very personal research combining the characteristics of classical sculpture with contemporary atmospheres projected into a cybernetic future.
The great art critic Edward Lucie- Smith has placed Tirelli among the artists of “Italian neofigurative sculpture”.
Tirelli works with important art galleries and his sculptures are appreciated also abroad: a lot of them have been bought by collectors who live in India, Brazil, the United States, Russia and Australia.

Más sobre / More about Giuseppe Tirelli: Website, facebook
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Arek Szwed

"Nosorożec niebiski / Rinoceronte azul / Blue Rhinoceros"
cerámica con esmaltado mate / ceramic with matt glaze, 23 x 23 cm.

Arek Szwed es un artista polaco, nacido en 1969. Así se presenta:
«Soy un artista de la cerámica. Tengo 49 años y desde 2009 trabajo con cerámica. Previamente trabajé en varias corporaciones. Tuve buenos y malos tiempos, ya que es típico de las empresas, pero solo ahora estoy completamente satisfecho con mi trabajo. Me especializo en esculturas de cerámica. Por lo general son figuras de personas, animales o combinaciones de un humano con un animal o viceversa. Todo depende de lo que nace en mi cabeza, entonces, mis manos trabajan con arcilla y la alta temperatura proporcionará a la escultura la dureza adecuada. Soy miembro de la Asociación polaca de ceramistas y de la Asociación de Artistas y Diseñadores polacos.»

"Nosorożec niebiski / Rinoceronte azul / Blue Rhinoceros"




Arek Szwed is a Polish artist born in 1969. This is how he presents himself:
«I am a ceramic artist. I am 49 years old and since 2009 I have been working with ceramics. Previously, I worked in various corporations. I had good and bad times, as it is typical of corporations, but only now I am fully satisfied with my work. I specialize in ceramic sculptures. Usually, these are figures of people, animals or combinations of a human with an animal or vice versa. It all depends what is born in my head, then, my hands work with clay and high temperature will provide the sculpture with the appropriate hardness. I am a member of the Polish Ceramists Association and the Association of Polish Artists and Designers.»





Más sobre / More about Arek Szwed: Website, Instagramfacebook, Etsy
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Charlotte Poulsen

"Rinoceronte / Rhinoceros", cerámica / ceramic, altura / high: 32 cm.

Ceramista de origen danés (Horsens, 1950), Charlotte Poulsen se hizo famosa en los años '90 por sus esculturas inspiradas en historias de viajeros: antílopes y otros grandes herbívoros de África. Muy característicos, sus animales se modelan a medio camino entre el expresionismo y el realismo.
En el umbral de la década de 2000 y más recientemente, como una tendencia hacia más ligereza y la búsqueda de algo más aéreo, la inspiración del artista se centró alrededor de las aves. Familiarizada con los paisajes y jardines de su infancia, los pájaros imaginados por Charlotte Poulsen huyen de una base, que es parte del trabajo, hasta el punto de haberse convertido rápidamente en su principal expresión.

"Rinoceronte / Rhinoceros" (detalle / detail)

A Danish-born ceramist (Horsens, 1950), Charlotte Poulsen became known in the 90s for her sculptures inspired by travelers' stories: antelopes and other large herbivores from Africa. Very characteristic, her animals are modeled halfway between expressionism and realism.
On the threshold of the 2000s and more recently, as a trend towards more lightness and the search for something more aerial, the inspiration of the artist centered around the birds. Familiar with the landscapes and gardens of her childhood, the birds imagined by Charlotte Poulsen takes flight from a base, itself part of the work, to the point of having quickly become its major expression.

"Rinoceronte / Rhinoceros"

Más sobre / More about Charlotte Pulsen: Website, Galerie de L'Ancienne Poste

Charlotte Pulsen en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (LXIX)]
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Shelley Muzylowski Allen

"Escudero / Squire", vidrio soplado, esculpido y grabado a mano /
blown, hand-sculpted and engraved glass, 7" x 12,5" x 5", 2014

Shelley Muzylowski Allen es una estupenda artista del vidrio nacida en Manitoba, Canadá, cuya obra hemos tenido oportunidad de disfrutar más de una vez en el blog (ver enlaces más abajo). Les dejo ahora una selección de sus coloridos rinocerontes.

"Escudero / Squire" (detalle / detail)



Shelley Muzylowski & Davide Salvadore
"Rinoceronte Cheroz / Rhino Cheroz", vidrio soplado, esculpido y grabado a mano, técnica mixta /
blown, hand-sculpted and engraved glass, mixed media, 23,5" x 12" x 11,5", 2012

Shelley Muzylowski Allen is a wonderful glass artist born in Manitoba, Canada, whose work we have had the opportunity to enjoy more than once in this blog (links below). Here you have a selection of her colorful rhinos.

"Can Tankeres", vidrio soplado y esculpido a mano, hormigón, acero /
blown and hand-sculpted glass, concrete, steel, 13" x 23" x 9", 2012
Foto / Photo: Russell Johnson

"Can Tankeres" (detalle / detail)

Más sobre Shelley en / More about Shelley inWebsiteSchantz Galleries

Shelley Muzylowski Allen en "El Hurgador" / in this blog:
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Jon Rafman

L'Avelée des avelés / Serie El tragador tragado / The Swallower Swallowed Series
"Rinoceronte - Oso / Rhino - Bear"
Espuma de alta densidad cortada con CNC, pintura acrílica /
CNC routed high density foam, acrylic paint, 230 x 103 x 62 cm, 2016. Foto / PhotoThe Gray Market

Jon Rafman es un artista, cineasta y ensayista nacido en 1981 en Montreal, Canadá.
Su trabajo se centra en el impacto emocional, social y existencial de la tecnología en la vida contemporánea. Su obra de arte ha ganado la atención internacional y fue exhibida en 2015 en el Museo de Arte Contemporáneo de Montreal (Montreal). Es ampliamente conocido por exhibir imágenes encontradas de Google Street View en su obra de arte en línea 9-Eyes (2009-en curso).

En su instalación "El tragador tragado", realizada con el codirector Samuel Walker, puede verse un balcón que da a la Puerta de Brandenburgo, son esculturas desgastadas de focas que chillan de placer cuando son devoradas por carneros o un gorila con la cabeza en éxtasis, comido por un ciervo.
"Encerrados dentro están todos estos sentimientos opuestos, ambos violentos, terriblemente devoradores, y también algo erótico y regresivo, en el deseo de regresar a un espacio seguro, parecido a un útero donde todo está satisfecho para ti", explicó Rafman durante la instalación. "Es una analogía increíble de nuestra condición contemporánea, que también se expresa mejor por la realidad virtual, que es este deseo de estar completamente inmerso y consumiendo los medios. En este contexto, funciona como un gran paralelo entre el consumir y ser consumido por la realidad virtual."

Foto / Photo: Sharjah Art Foundation

Jon Rafman is an artist, filmmaker, and essayist born in 1981 in Montreal, Canada.
His work centers around the emotional, social and existential impact of technology on contemporary life. His artwork has gained international attention and was exhibited in 2015 at Musée d'art contemporain de Montréal (Montreal). He is widely known for exhibiting found images from Google Street View in his online artwork 9-Eyes (2009-ongoing).

Foto / PhotoSharjah Art Foundation

In his installation "The Swallower Swallowed", made with co-director Samuel Walker, you can see a balcony overlooking the Brandenburg Gate, are weathered sculptures of seals squealing with pleasure as they are eaten by rams, or a gorilla, head back in ecstasy, being eaten by a deer.
“Bound up within it are all these opposing feelings, both violent, horrific devouring, and also something erotic, and regressive, in the desire to return to a safe, womb-like space where everything is satisfied for you,” Rafman explained during the install. “It is an incredible analogy for our contemporary condition that’s also best expressed by virtual reality, which is this desire to be completely immersed in, and also consuming the media. In this context, it works as a great parallel of the both consuming, and being consumed by, virtual reality.”

Más sobre / More about Jon Rafman en: Website, Instagramfacebook, Tumblr, Wikipedia (English)
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Pino Pascali

"La decapitazione del rinoceronte / La decapitación del rinoceronte /
The Behead of the Rhino",  140 x 93,5 cm., 1966-1967. Foto / Photo: Riccardo Barluzzi. My Art Guides

Pino Pascali fue un artista, escultor, escenógrafo y artista de performances italiano nacido en 1935 en Bari, Italia.
En 1955 dejó la escuela orientada a la ciencia a la que asistió en Bari, y se fue a una escuela secundaria especializada en las artes. En 1956 se matriculó en la Accademia di Belle Arti en Roma, en el curso de diseño escénico realizado por Peppino Piccolo con la ayuda de su asistente Fabio Vergoz. También estudió bajo la guía de Toti Scialoja, cuyo enfoque abierto de enseñanza alentaba a los estudiantes a experimentar con diversos medios y formas. En el contexto de la Academia, Pascali se encontró con el artista de Arte Povera Jannis Kounellis. Pascali participó en varios espectáculos colectivos para artistas jóvenes.
Trabajó como ilustrador publicitario y diseñador durante varios años antes de su primera exposición individual en 1965 en la Galleria La Tartaruga. En 1966 tuvo una exposición individual en la Galería L'Attico en Roma, donde mostró por primera vez sus "esculturas falsas", una serie de lienzos con formas que a primera vista parecen ser esculturas sólidas, pero en realidad son pinturas que presentan formas abstractas que sugieren animales, plantas y paisajes. Una de las "esculturas falsas" de Pascali fue Decapitazione delle jirafa / Decapitación de las jirafas. Aquí se creó una estructura de madera para asemejarse a un esqueleto, que luego se cubrió con lienzos para representar la piel. Otras esculturas en esta serie incluyen, Decapitazione della sculptura / Decapitación de la escultura (1966), Decapitazione del rinoceronte / Decapitación del rinoceronte (1966-67) y Mare / Mar, (1966)
En 1968 murió en un accidente de motocicleta a los treinta y dos años. Su corta carrera representó una importante contribución al arte de la posguerra.

Foto / PhotoPinterest

Pino Pascali was an Italian artist, sculptor, set designer and performer born in 1935 in Bari, Italy.
In 1955, Pascali left the science-oriented school that he attended in Bari, and went to a secondary school specialized in the arts. In 1956 he enrolled at the Accademia di Belle Arti in Rome, on the scenic design course held by Peppino Piccolo with the help of his assistant Fabio Vergoz. He also studied under the guidance of Toti Scialoja, whose open teaching approach encouraged students to experiment with diverse mediums and forms. In the context of the Accademia, Pascali met fellow Arte Povera artist Jannis Kounellis. Pascali took part in a number of collective shows for young artists.
He worked as an advertisement illustrator and designer for a number of years before his first solo exhibition in 1965 at the Galleria La Tartaruga. In 1966 he had a solo exhibition at the L'Attico Gallery in Rome. It was through this exhibition that he first showed his “fake sculptures,” a series of shaped-canvases that first appear to be solid sculptures but are actually paintings that present abstract forms suggesting animals, plants and landscapes. One of Pascali's "fake sculptures" was Decapitazione delle giraffe / Decapitation of the giraffes. Here a structure of wood was created to resemble a skeleton which was then covered with canvas to represent skin. Other sculptures in this series included, Decapitazione della sculptura / Decapitation of the sculpture (1966), Decapitazione del rinoceronte / Decapitation of the Rhinoceros (1966-67) and Mare / Sea, (1966)
In 1968 he died in a motorcycle accident at the age of thirty-two. His short career has served as an important contribution to post-war art.
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Como siempre, gracias por los frecuentes y sabrosos aportes y sugerencias recibidos de /
As always, thanks for the frequent and tasty contributions and suggestions from
Olga Cabrinety, Mafa Alborés y Shirley Rebuffo.

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